plan de nivelacion grado octavo

ya que muchos se preguntaran que es esto?  le pido excusas a mis preciados lectores y les recuerdo que trabajo en un instituto distrital y pues toca a los que pierden el año y no hacen nada; brindarles otra oportunidad a ver si ahora si logran lo que debián alcanzar en el año lectivo.
En este prezi estan las activiodades que realizaran quienes asi lo quieran para nivelar las competencas del grado octavo de educacion basica.

hiperrealismo

Antes que muchos conceptos el hiper realismo le devolvió el virtuosismo  al artista,por eso antes de extenderme en el discurso les contare la biografía de dos grandes del hiper realismo y otros artistas contemporáneos.

Ron Mueck.

Nació en 1958, es un escultor  australiano que vive en Inglaterra.Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine, trabajando para Jim Henson en películas como Labyrinth (donde llegó a interpretar a uno de los personajes, Ludo) o The Dark Crystal. Sin embargo ya había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente.Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck con más y más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo.

En 1996 Mueck cambió hacia el “arte refinado” colaborando con su suegra Paula Rego, para producir pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward. Rego lo presentó con Charles Saatchiquien inmediatamente quedó sorprendido con su trabajo y comenzó a coleccionar y solicitar trabajos. Esto lo dirigió hacia la creación que le formó un nombre a Mueck, “Dead Dad” (papá muerto) que es una escalofriante e hiperrealista obra de silicona y otros materiales, del cuerpo muerto de su padre, reducido aproximadamente a dos tercios del tamaño natural. Es la única obra de Mueck que usa su propio pelo para el producto final.

Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden. Su obra de cinco metros “Boy”, fue mostrada en 1999 en el “Millenium Dome” y más tarde se exhibió en la “Biennale de Venecia”.

Éste escultor formó parte de la exposición “Sensation” que causó polémica y otras reacciones extremas entre los críticos y el público. La pieza que expuso en esa ocasión era “Dead Dad”.

Chuck Close 

Es un artista estadounidense, nacido el 5 de julio de 1940 en Monroe, Washington. Es pintor y fotógrafo fotorrealista. Desde 1988 está tetrapléjico, aunque eso no le impidió seguir con su carrera.

La mayor parte de sus obras son enormes retratos basados en fotografías (técnica del fotorrealismo o hiperrealismo). En 1962 recibió su titulación (B.A.) en la Universidad de Washington en Seattle. Se graduó (MFA) por la Universidad de Yale en 1964. Estuvo en Europa con una beca del Programa Fulbright, regresando a EE.UU. donde trabajó como profesor de arte en la Universidad de Massachusetts.

En 1969 su trabajo fue incluido en el Whitney Biennial. En 1970 realizó su primera exposición individual. Su trabajo se expuso por primera vez en el MOMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1973.

Para crear sus obras, Close pone una malla sobre la foto y sobre el lienzo y copia celda por celda. Sus primeras herramientas para ello incluían un pulverizador, retazos de tela, cuchillas, y una goma de borrar montada sobre una máquina taladradora. Su primer gran cuadro con este método fue su Gran Autorretrato, una ampliación de su cara en blanco y negro sobre un lienzo de 2.73 m por 2.12 m realizado durante cuatro meses en 1968. Produjo otros siete retratos en blanco y negro durante este periodo. Se dice que mencionó utilizar pintura tan diluída en el pulverizador que los ocho cuadros se realizaron con un único tubo de acrílico negro.

Close ha regresado a menudo a las mismas fotos para pintar una y otra vez con técnicas diferentes. Una foto de Philip Glass se incluyó en su serie en blanco y negro de 1969, rehecha con acuarelas en 1977, de nuevo rehecha con tampón y huellas en 1978, y también con papel gris hecho a mano en 1982.

Su trabajo posterior se ha ramificado en mallas no rectangulares, regiones de colores similares tipo mapa topográfico, trabajos en mallas de color CMYK, y el uso de grandes mallas para hacer obvia la naturaleza celular de su trabajo incluso en pequeñas reproducciones — el Gran Autorretrato está hecho con tanta perfección que incluso una reproducción a toda página en un libro de arte no puede distinguirse de una fotografía normal.

En 1988, Close sufrió un colapso de su arteria espinal, el día que iba a dar una conferencia en una ceremonia de entrega de premios de arte. Se sintió enfermo antes, dio su conferencia, y después acudió con dificultad a un hospital en la calle de enfrente. Pocas horas después era un parapléjico.

Close siguió pintando con un pincel entre los dientes, creando mini-retratos en mallas cuadradas preparadas por un asistente. Desde la distancia, estos cuadrados aparecen como una imagen única. Recuperó algún movimiento en su brazo y piernas, y en la actualidad pinta con una brocha atada a su mano.

La obra Kiki, completada en 1993, le llevó cuatro meses.

Close vive y pinta en Bridgehampton, Nueva York.

Es miembro de la Academia de Artes y Letras Americana y recibió la Medalla Nacional de las Artes.

Es una persona admirable, tanto por su talento, como por su voluntad para seguir haciendo lo que a él más le gusta.

melendez -bodegon 

Marcel Franquelin

Daniela Montanari_ Maria 2003

POP ART

El Pop Art nacio en Estados Unidos, como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista. Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte. La producción de masas y el consumismo triunfante, proporcionaron los iconos que se multiplicarán hasta la saciedad en la obra de los llamados “artistas pop”. La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.	Ideograma, Juan Antonio Morales
Latas de Sopa Cambell's, Coca Cola, Andy Warhol.	Los motivos marcan las pautas del estilo, desarrollando una temática reducida a los artículos de consumo comercial, latas de sopa, revólveres, flores, etc. El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática banal  y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada.
Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de este estilo. El retrato, como  sucedió en épocas exteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop. Delante de Andy Warhol se pusieron Marilyn, Jacquelin Kennedy, Grace Kelly... para que dejasen constancia de su paso por la modernidad.
Grace Kelly, Andy Warhol, 1984

Enciende la chispa del poder

 

Encender fuego de manera imprudente en una zona seca puede producir una catástrofe. Sin embargo, el fuego encendido con un propósito puede ser confortante y satisfactorio. Los dones puestos por Dios en nosotros son una fuente de poder. Encender este poder requiere fuego de pasión, fe y convicción, requiere de parte nuestra expandir nuestro corazón y mente para pensar y actuar más allá de las barreras de las falsas limitaciones. Dios está limitado en lo que puede hacer por nosotros en función de la amplitud de nuestro corazón y mente. Cada que derribemos los limites y barreras destructivas puestas por nosotros mismos, seremos llenados con la energía necesaria para encender la chispa del poder en nuestro interior y de esta manera dejar un legado perdurable aquí en la tierra.

Recuerda, cuando nos veamos a nosotros mismos de la misma forma en que nos ve Dios, un océano de oportunidades fluirá en nuestro horizonte. El pensamiento pequeño y una convicción a medias, limitará nuestra capacidad de aceptar un corazón expandido.

Expande tu corazón leyendo y actuando en los siguientes versos: 

Salmo 119:32

Por el camino de tus mandamientos correré, Cuando ensanches mi corazón.  

1 Crónicas 4:10 

E invocó Jabes al Dios de Israel, diciendo: !!Oh, si me dieras bendición, y ensancharas mi territorio, y si tu mano estuviera conmigo, y me libraras de mal, para que no me dañe! Y le otorgó Dios lo que pidió.

Números 13:33

También vimos allí gigantes, hijos de Anac, raza de los gigantes, y éramos nosotros, a nuestro parecer, como langostas; y así les parecíamos a ellos.

Enciéndelo dentro de ti

El lamento es el sentimiento de pérdida por aquellas cosas que hicimos o no hicimos. No tenemos por qué vivir una vida de remordimientos cuando encendemos "el poder en nosotros". Cuando activamos los dones de Dios con la finalidad de hacer una diferencia en la vida de los demás, nos estamos protegiendo a nosotros mismos de la inutilidad de los remordimientos y cargos de conciencia.  

Una vida plagada de lamentos destruye el potencial y capacidades que hay en nosotros. Si permitimos que nuestros dones y talentos estén inactivos, nuestra vida se va a llenar de remordimiento por nunca haber hecho lo que se suponía que debiéramos haber hecho. Cada uno de nosotros, tenemos la capacidad de llenar cada momento de nuestra vida con una oportunidad en vez de desperdiciar cada oportunidad que nos da la vida con vanos remordimientos.  

Manteniendo nuestra mirada puesta en la palabra de Dios, encenderemos ese poder en nosotros y con estas acciones dejaremos un legado de impacto en lugar de un legado de remordimientos y cargos de conciencia. 

Recuerda, podemos ejercer el poder en nosotros para liberar, o incluso detener la mano de Dios en nuestra vida. El cargo de conciencia es compañero del potencial no utilizado. La realización va acompañada de la fe, convicción y acción. 

Toma tiempo para leer, reflexionar y actuar sobre:

Jeremías 32:26-27

...Y vino Palabra de Jehová a Jeremías diciendo; He aquí que yo soy Jehová, Dios de toda carne; ¿habrá algo que sea difícil para mí?  

Salmo 78:40

!Cuántas veces se rebelaron contra él en el desierto, Lo enojaron en el yermo!

 

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Dadaísmo

El dadá surge a partir de un grupo de artistas que se fueron a Zurich para escapar de la guerra. Surgió a la vez en Suiza y Estados Unidos en 1916. Desde Zurich se expandió hacia Alemania y hacia Francia. En París es ya el movimiento de moda en 1923.

Suiza, a partir del estallido de la guerra en 1914, se convierte en un centro de refugiados pacifistas de toda Europa. Allí se encontraron todos los disidentes de otras escuelas previas, tales como el expresionismo alemán, el futurismo italiano o el cubismo francés. En 1916, en Zurich, un grupo de artistas instalaron en una cervecería un pequeño cabaret, al que bautizaron como "Cabaret Voltaire". Allí se reunieron el filósofo Hugo Ball, el poeta Tristan Tzara, el pintor marcel Janco, ambos refugiados rumanos, y el pintor alsaciano Jeans (Hans) Arp.

A partir de ese encuentro comenzaron una serie de actividades en el cabaret así como editaron la revista que llevaría el nombre de "Dada".

Tristán Tzara pronto se convirtió en el promotor y principal exponente del movimiento Dada. Entre él y Hugo Ball dieron sustancia a la teoría dadaísta.

En pocos meses los espectáculos del café Voltaire fueron famosos en la ciudad Suiza. El espectáculo dadaísta había nacido, cargado de provocación, tendencia agresiva, propuestas ilógicas y absurdas. Para manifestar artísticamente su rechazo a la cultura de su tiempo, los dadaístas utilizaron métodos expresivos deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional.

En 1917 Francis Picabia, un pintor francés, refugiado también en Suiza entra en contacto con Tzara. Ambos darán sentido al Manifiesto Dada de 1918, posiblemente el documento más importante del movimiento dadaísta de Zurich. Tras el fin de la guerra, el dadaismo cautiva a los artistas vanguardistas de París, produciéndose un resurgimiento del mismo. El Zurich Dada, con la diáspora de sus refugiados, se había acabado.

No es un movimiento de rebeldía contra otra escuela anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera Guerra. Estos escritores y artístas creían que una sociedad capaz de producir algo tan horripilante como la primera guerra mundial era una sociedad malvada, cuya filosofía y cultura deberían destruirse totalmente, ya que estaba social y moralmente en banca rota.

Utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. Los dadá profesaban todas las artes, pero no se encasillaban en ninguna.

Sin duda, Dadá consiguió provocar el escándalo, pero en el aspecto positivo, yal igual que otros movimientos de vanguardia, hizo que la gente mirara las imágenes de una manera distinta.

Manifiesto dadaísta, 28 de Mayo de 1918:

• "...no estoy ni en pro ni en contra, y además, no lo explico, porque detesto el sentido común...
• "Asco dadaísta.
• "Abolición de la memoria: dadá
• "Abolición de la arqueología: dadá
• "Abolición de los profetas: dadá
• "Abolición del futuro: dadá
• "Creencia absoluta indiscutible en cada dios producto inmediato de la espontaneidad: dadá..."

Para hacer un poema dadaísta: Tomad un periódico. Tomad unas tijeras. Elegid en el periódico un artículo que tenga la longitud que queráis dar a vuestro poema. Recortad con todo cuidado cada palabra de las que forman tal artículo y ponedlas todas en un saquito. Agitad dulcemente. Sacad las palabras una detrás de otra colocándolas en el orden en que las habeís sacado. Copiadlas concienzudamente. El poema está hecho. Ya os habéis convertido es un escritor infinitamente original y dotado de una sensibilidad encantadora, aunque, por supuesto, incomprendida por la gente vulgar.

No es un nuevo movimiento que va contra otro antiguo, es un movimiento que surge en contra de toda una sociedad que ha sido capaz de provocar una Guerra Mundial. Se trataba de ir contra la cultura de su tiempo, contra una sociedad malvada, cuya filosofía y cultura deberían destruirse totalmente, ya que estaba social y moralmente en bancarrota.

El dadaísmo trata de reflejar una disposición particular del espíritu, representa una negación intelectual violenta, un acto extremo de antidogmatismo, por lo que se vale de cualquier medio para llevar adelante su batalla. Más que la obra, es el gesto lo que interesa a los dadaístas, gesto que va más allá de los puros canales de expresión artística para manifestarse en la política, en las costumbres, en la misma sociedad, siempre que este gesto sea entendido como provocación contra el sentido común, la moral, la ley y cualquier normativa u ortodoxia. De aquí que el escándalo fuera el instrumento preferido para hacer públicas sus acciones.

No profetas, no hay futuro, no pensar, "yo destruyo los cajones del cerebro y los de la organización social", los versos se hacían recortando trozos de periódicos y colocándo las palabras ala azar ...

Produjo un "antiarte" basado en cosas carentes de sentido, en aras del absurdo humor amargo. Los integrantes del dadaismo innovaron el empleo original de papier collé, que derivó hacia el collage y el fotomontaje. Para los dadaistas, el uso del collage consistió en la agrupación dinámica de fragmentos de imágenes en la que aparecen por obra del azar nuevas estructuras, cuyo sentido estético no procede de la suma de los componentes, sino del espíritu de totalidad que se logra con ella. Cada fragmento tiene un valor formal, y un valor de contenido propio, y el collage se transforma en un dinámico y absurdo juego de imágenes fragmentadas que revelan metáforas inesperadas. Así, el collage se vuelve un método de exploración de la realidad y un procedimientos para expresarla.

También se valieron de objetos hechos de carácter comercial, a los que desplazaba de su función original modificándolos o agregándoles formas extrañas como si los hubiese guiado la idea de que una surrealidad se esconde tras las cosas más comunes que nos rodean. El término Ready-made se refiere al hecho de sacar un objeto cotidiano de su sitio habitual y colocarlo en un espacio de exhibición, con el fin de cambiar la forma en que lo vemos y darle otro significado. El Ready-made se llevó a cabo por primera vez por Marcel Duchamp.

Marcel Duchamp (1887-1968)

Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville. Comenzó a pintar en 1908. Se dedicó a la experimentación y realizó su obra más famosa, Desnudo bajando una escalera (1912) en la que expresa el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas. Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia (1923) obra abstracta, conocida también como El gran espejo. En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales innovaciones del siglo XX: el arte cinético y el llamado arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. Su Rueda de bicicleta uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina. Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado; aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo de movimientos como : surrealismo, dadá y Pop Art. En 1955 se nacionalizó estadounidense. Murió en 1968.

El término Ready-made se refiere al hecho de sacar un objeto cotidiano de su sitio habitual y colocarlo en un espacio de exhibición, con el fin de cambiar la forma en que lo vemos y darle otro significado. El Ready-made se llevó a cabo por primera vez por Marcel Duchamp.

    

¿Qué es el color?

El mundo es de colores, donde hay luz, hay color. La percepción de la forma, profundidad o claroscuro está estrechamente ligada a la percepción de los colores.

El color es un atributo que percibimos de los objetos cuando hay luz. La luz es constituida por ondas electromagnéticas que se propagan a unos 300.000 kilómetros por segundo. Esto significa que nuestros ojos reaccionan a la incidencia de la energía y no a la materia en sí.

Las ondas forman, según su longitud de onda, distintos tipos de luz, como infrarroja, visible, ultravioleta o blanca. Las ondas visibles son aquellas cuya longitud de onda está comprendida entre los 380 y 770 nanómetros.

Los objetos devuelven la luz que no absorben hacia su entorno. Nuestro campo visual interpreta estas radiaciones electromagnéticas que el entorno emite o refleja, como la palabra "COLOR".

Propiedades del color

Las definimos como el tono, saturación, brillo.

Tono (hue), matiz o croma es el atributo que diferencia el color y por la cual designamos los colores: verde, violeta, anaranjado.

Saturación:(saturation) es la intensidad cromática o pureza de un color Valor (value) es la claridad u oscuridad de un color, está determinado por la cantidad de luz que un color tiene. Valor y luminosidad expresan lo mismo.

Brillo (brightness) es la cantidad de luz emitida por una fuente lumínica o reflejada por una superficie.

Luminosidad (lightness) es la cantidad de luz reflejada por una superficie en comparación con la reflejada por una superficie blanca en iguales condiciones de iluminación.

El arco iris, segun los griegos

El arco iris, tiene todos los colores del espectro solar. Los griegos personificaron este espectacular fenómeno luminoso en Iris, la mensajera de los dioses, que descendía entre los hombres agitando sus alas multicolores.

La ciencia que aplica la experiencia, explica que los colores son componentes de la luz blanca. (luz solar del día o luz artificial). La luz blanca no tiene color, pero los contiene todos. Lo demostró Isaac Newton.

el color (historia)

Historia del color y sus principios básicos

El color, según Sir Isaac Newton, es una sensación que se produce en respuesta a una estimulación nerviosa del ojo, causada por una longitud de onda luminosa. El ojo humano interpreta colores diferentes dependiendo de las distancias longitudinales.

El color nos produce muchas sensaciones, sentimientos, diferentes estados de ánimo, nos transmite mensajes, nos expresa valores, situaciones y sin embargo... no existe más allá de nuestra percepción visual.

El color ha sido estudiado, por científicos, físicos, filósofos y artistas. Cada uno en su campo y en estrecho contacto con el fenómeno del color, llegaron a diversas conclusiones, muy coincidentes en algunos aspectos o bien que resultaron muy satisfactorias y como punto de partida para posteriores estudios.

El filósofo Aristóteles (384 - 322 AC) definió que todos los colores se conforman con la mezcla de cuatro colores y además otorgó un papel fundamental a la incidencia de luz y la sombra sobre los mismos. Estos colores que denominó como básicos eran los de tierra, el fuego, el agua y el cielo.

Siglos más tarde, Leonardo Da Vinci (1452-1519) definió al color como propio de la materia, adelantó un poquito más definiendo la siguiente escala de colores básicos: primero el blanco como el principal ya que permite recibir a todos los demás colores, después en su clasificación seguía amarillo para la tierra, verde para el agua, azul para el cielo, rojo para el fuego y negro para la oscuridad, ya que es el color que nos priva de todos los otros. Con la mezcla de estos colores obtenía todos los demás, aunque también observó que el verde también surgía de una mezcla.

Isaac Newton, la luz es color

Finalmente fue Isaac Newton (1642-1519) quien estableció un principio hasta hoy aceptado: la luz es color. En 1665 Newton descubrió que la luz del sol al pasar a través de un prisma, se dividía en varios colores conformando un espectro.

Lo que Newton consiguió fué la descomposición de la luz en los colores del espectro. Estos colores son básicamente el Azul violaceo, el Azul celeste, el Verde, el Amarillo, el Rojo anaranjado y el Rojo púrpura. Este fenómeno lo podemos contemplar con mucha frecuencia, cuando la luz se refracta en el borde de un cristal o de un plástico. También cuando llueve y hace sol, las gotas de agua de la lluvia realizan la misma operación que el prisma de Newton y descomponen la luz produciendo los colores del arco iris.

Así es como observa que la luz natural está formada por luces de seis colores, cuando incide sobre un elemento absorbe algunos de esos colores y refleja otros. Con esta observación dio lugar al siguiente principio: todos los cuerpos opacos al ser iluminados reflejan todos o parte de los componentes de la luz que reciben.

Por lo tanto cuando vemos una superficie roja, realmente estamos viendo una superficie de un material que contiene un pigmento el cual absorbe todas las ondas electromagnéticas que contiene la luz blanca con excepción de la roja, la cual al ser reflejada, es captada por el ojo humano y decodificada por el cerebro como el color denominado rojo.

Johan Goethe, reacción humana a los colores

Johann Göethe (1749-1832) estudió y probó las modificaciones fisiológicas y psicológicas que el ser humano sufre ante la exposición a los diferentes colores.

Para Göethe era muy importante comprender la reacción humana a los colores, y su investigación fue la piedra angular de la actual psicológica del color. Desarrolló un triángulo con tres colores primarios rojo, amarillo y azul. Tuvo en cuenta que este triángulo como un diagrama de la mente humana y relacionó a cada color con ciertas emociones.

LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS .breve resumen

LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS

Los miembros de estas vanguardias se constituyen en grupos que se afanan en mostrar su independencia y rebeldía frente al arte oficial, muy valorado por una burguesía muy conservadora y desconfiada ante cualquier novedad artística.

Quieren aprovechar los descubrimientos científicos y aplicarlos a su arte. Por ejmplo:

·         Los fauvistas llevarán hasta las últimas consecuencias las teorías científicas sobre el color que los impresionistas habías iniciado.

·         El Cubismo a partir d ela teoría de la relatividad llegó al descubrimiento de la "cuarta dimensión".

·         El expresionismo incorpora rasgos de culturas primitivas, más conocidas gracias a la etnología.

·         Los surrealistas parten de las teorías del psicoanálisis para reproducir imágenes de sueños y del subconsciente.

    Todos en general aprovechan los nuevos materiales y las técnicas para usarlos.

Se establece una nueva relación arte-sociedad.

Las vanguardias evolucionan mñas rápidamente que la comprensión del público. Esto y el hecho de necesitar una preparación previa para decodificar los mensajes que los artistas mandan a través de sus obras, crea un abismo entre el pintor y la mayor parte d ela población que no entiende sus obras.

Ya no son los gremios ni las academias los que rigen el destino de l artista. Ahora se regulan por la oferta y la demanda; un sistema que gira entorno a los marchantes, las galerías, los coleccionistas y los críticos.

FAUVISMO

Es el primer movimiento revolucionario del siglo. Está formado por un grupo de pintores que durante un tiempo comparten las mismas ideas:

·         Rebeldía hacia el arte oficial burgués.

·         Admiración por la pintura de Gauguin y Van Gogh, basado en el uso arbitrario de colores muy vivos.

·         El líder de este movimiento es Matisse.

·         Simplifica el modelo transformando sus formas en zonas de color que no suelen coincidir con su forma real en la naturaleza.

·         En grandes composiciones mezcla el desenfreno cromático con los ritmos curvilíneos del Art Nouveau y el arabesco musulmán.

FUTURISMO

Características:

·         El arte debe nutrirse del contacto directo con el mundo moderno, nunca de la tradición.

·         La ciudad industrial y la máquina serán los temas fundamentales.

·         El coche será visto como símbolo de la modernidad y la velocidad.

·         La ciudad aparecerá muchísimo, con sus calles llenas de luces y carteles y sus muchedumbres afanosas.

·         Culto a la velocidad y a la máquina.

·         Visión en la que los objetos se funden con su entorno y se disiulven en él por culpa del movimento y la luz.

·         Se sirven del puntillismo, la descomposición y articulación de planos del cubismo y de los estudios fotográficos sobre el movimiento.

BOCCIONI - "FORMAS ÚNICAS DE CONTINUIDAD EN EL ESPACIO"

Escultura de bronce. Es la creación más impresionante del futurismo. Es una evocación a la fuerza del movimiento. No es la construcción de un cuerpo sino de la acción del cuerpo. Las líneas de fuerza se visualizan en el campo tridimensional como un apéndice muscular en una poderosa síntesis de movimiento.

EXPRESIONISMO

Movimiento artístico que toma como núcleo de sus preocupaciones el alma humana. No se dirige hacia la sensibilidad de los colores sino al planteamiento de los conflictos del hombre para expresar al exterior los sentimientos del espíritu (interior).

·         Para expresar emociones tan intensas utilizan la distorsión de las formas y el color para así acentuar la expresión.

·         Simpatizan con los colores de las vidrieras góticas y sus imágenes fragmentadas por demarcaciones de plomo. También simpatizan con la ruptura cromática de Matisse.

·         Presenta seres angustiados, que preludian por su violencia y tensión los desastres de la 1. G.M. Es un protesta contra la sociedad, son pesimistas, reflejan un gran dramatismo.

·         Se produce un rechazo a la armonía y la belleza.

·         Tonos oscuros, colores fuertes y chillones.

·         El mundo exterior sólo importa porque es indispensable para expresar las inquietudes interiores.

MUNCH - EL GRITO

Munch poseía una personalidad atormentada y creó una extradordinaria expresión pictórica para dar forma a sus fantasamas personales.

Tuvo una infancia trágica que explica su inestabilidad emocional y sus angustias.

Pintura realizada en 1893. Es una de las obras más significativa sde Munch.

Describe la experiencia que la originó: "solo, emblando de angustia, oí el grito, vasto, infinito de la natturaleza". Una pronta inquietud que transformó en impresiones sensibles, con colores irreales, violentos, con el uso deramático de la perspectiva y los ritmos arremolinados que enlazan el paisaje con la figura espectral situada en primer término , terriblemente desesperada.

CUBISMO

A aprtir de 1906, tras el Fauvismo, se empezó a imponer la estética cubista, retornando a la vía geométrica iniciada anteriormente por Cézanne.

Este movimiento se caracteriza por la descomposición de la imagen en estructuras poliédricas que reflejan simultáneamente varios puntos de vista. Es decir, reduce la figura, el espacio y el paisaje a cubos.

·         Supone una ruptura con las convenciones plásticas tradicionales.

·         Esta revolución estética fue liderada por Picaso.

PICASSO

Sus inicios fueron académicos porque su padre era profesor de dibujo en una academia.

Durante su estancia en Barcelona entra en contacto con las tertulias modernistas y deduce dos cosas:

·         El academicismo tenía detractores.

·         La novedad está en París.

·         Marcha a París y allí empieza su trayectoria pictórica que podemos dividir en varias etapas:

·         Periodo azul. 1901-1904. Reacción frente al impresionismo. Presenta tipos escuálidos, infelices y dolientes en su trágica condición existencial.

·         Periodo rosa. 1904-1907. Abandona la melancolía y aclara su paleta. Iconografía de personajes de circo y teatros ambulantes.

Cubismo. En 1907 contrasta sus pinturas con la obra de Cézanne (observada en una exposición) y con las máscaras africanas del museo del hombre. El resultado es la pintura "Les demoiselles d'Avignon", considerada su primera obra cubista. Su etapa cubista se divide en:

    Cubismo analítico. 1907-1912. Se dedica al paisaje y a la figura humana. El método es el mismo: decomponer geométricamente la forma y luego ensamblar los trozos, mostrando sus 4 planos sobre el lienzo. Pronto se da cuenta que este sistema le hace perder el contacto con la realidad y le conduce a la abstracción. En 1912 lo abandona al descubrir las posibilidades del collage.

    Cubismo sintético.1912-1916. Basado en el collage que ofrece la posibilidad de incorporar a las pinturas objetos reconocibles. Un recorte de periódico permite distinguir grafías; una partitura, notas musicales. Estos elementos actuaban de contrapunto real frente a los dibujos analíticos que aplicaba sobre el soporte. Esta técnica no le satisfacía y recupera la figura humana y el color.

La crítica cree que ha abandonado el cubismo y luego ve que oo alterna con el realismo según la conveniencia del tema.

Así en 1923, pinta "El arlequín", donde obsrvamos un lenguaje clásico; en cambio en 1937 recupera el cubismo para pintar "El Guernica".

LES DEMOISELLES D'AVIGNON

A partir de este cuadro Picasso se aleja de su perido rosa y se dirige hacia una investigación revolucionaria de la forma y del espacio.

Este cuadro representa un grupo de 5 prostitutas semidesnudas de la barcelonesa calle de Avinyó, en pose exhibicionista para captar clientes.

Es la frontera entre el pasado europeo y el futuro inmediato. Es un reinterpretación radical del desnudo con referencia a las bañistas de Cézanne o incluso a las grandes composiciones de desnudos de Tiziano o Rafael. Sorprende la violenta inquietud y la despreocupación por nincún cánon de belleza.

Los cuerpos de las mujeres están descompuestos en bloques geométricos y ensamblados por una intersección de planos.

La joven sentada muestra la mismo tiempo el rostro, el pecho y la espalda, simultaneando todos los puntos de vista y quebrando las normas d ela perspectiva convencional. Este rechazo a la perspectiva será lo que distinguirá al cubismo de todos los sistemas prvios de composición basados en la perspectiva renacentista. Observamos eses rechazo en la tendencia de las superfícies sueltas a resbalar de sus posiciones naturales y deslizarse las unas contra las otras. También es patente en el tratamiento angular de la cortina rojiza de la izquierda.

No hay un espacio libre sobre el cual se hayan dispuesto las figuras; son las propias figuras, o los bloques geométricos que las componen, las que generan el espacio.

En la mujer de perfil situada a la izquierda, cuyo ojo ocupa todo el rostro se combina la escultura egipcia con las pesadas figuras de las últimas pinturas de Gauguin.

Los ojos fijos, contorneados en negro y los rasgos esquemáticos de las mujeres del centro, recuerdan las esculturas pre-romanas del Louvre que Picasso conoce tan bien.

Las figuras situadas a la derecha con las caras distorsionadas se inspiran en las tallas del arte africano.

BRANCUSI - EL NOUNAT (1925)

Principal escultor cubista.

El misticismo oriental influencia su obra e incluso toda su vida. Intentó penetrar en las capas superficiales de las cosas para encontrar las formas esenciales y conseguir una belleza caracterizada por la reducción de detalles, una simplificación con la cual llega a las formas absolutas y perfectas a través de un escrupuloso respeto por la naturaleza de los materiales que trabajaba artesanalmente hasta conseguir superfícies lisas, pulidas e inmaculadas.

Es una escultura de bronce. Se observa en ella la purificación refinada hasta conseguir una forma ovoide, simple, de superfície brillante que nos transporta al origen de la creración, de la vida. Es una obra de depurada abstracción y acabados perfectos.

SURREALISMO

Movimeinto artístico basado en la teoría del psicoanálisis de Freud.

Pretende visualizar el incosciente del individuo en su estado puro, esto es, despojado del control que ejerce la razón y al margen de las represiones éticas y morales de los convencionalismos sociales.

Freud descubrió que la libertad desinhibida del ser humano sólo aflora en los sueños y que es en este mundo onírico donde se agolpan las emociones más comunes: el placer y la agresividad.

Dalí, máximo exponente del Surrealismo, explotará este tema del inconsciente y los ueños. A través d elos sueños y recuerdos dará rienda suelta a sus miedos: pavor al contacto físico con el sexo contrario, miedo a la castración, obsesión enfermiza por la muerte,la impotencia y la putrefacción.

Dalí empieza a experimentar un método propio que apoyará en su habilidad artística. No se limita a plasmar los sueños en un cuadro, sino que también interpreta el mundo exterior en virtud de sus obsesiones. Es decir, concreta la imagen real soñada, en otras obsesiones ocultas. El rsultado es la imagen doble que sin alterarse, representa al mismo tiempo 2 o más realidades.

DADAISMO

Es la expresión de una protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental, especialmente contra el militarismo existente durante la 1ª G.M.

Sus métodos artísticos se apoyaban en lo absurdo e irracional con el fin de expresar su rechazo a todos los valores sociales y estéticos del momento y provocar una reacción en el espectador para que reflexionara sobre lo establecido.

Algunos de sus miembros se convirtieron en figuras destacadas del surrealismo.

Características:

·         El dada defiende la libertad del hombre, la espontaneidad y la destrucción. Se opone al arte tradicional y a una ideología burguesa.

·         Refleja una protesta nihilista que va en contra de todos los aspectos de la cultura occidental, sobre todo contra el militarismo.

·         Su rebelión contra las normas establecidas era basada en una creencia profunda y proveniente de la tradición romántica, en la bondad esencial de la humanidad cuando no esta corrompida por la sociedad.

·         Este movimiento surge con los destroces de la 1° guerra mundial y defiende también una actitud negativa hacia todo lo que produce la civilización bélica

·         Dada es cualquier cosa, es un estado de ánimo, nacido de la guerra y en la guerra. Es anarquista, revolucionario, también es indiferente, diletante y poético. Dada quiere estigmatizar la brutalidad. Dada está en contra del futuro. Existen, más que por la guerra, porque son hombres independientes que viven otros ideales.

·         Es una manera de ser así como una manera de vivir. Dada conoce todo, dada destruye todo, dada no habla, dada no tiene una idea fija.

·         Los dadaístas profesaban todas las artes pero no se encasillaban en ninguna. Sus ideas contra las normas se basaban en una profunda creencia derivada de la tradición romántica. Abrieron una puerta definitiva a lo posible y a lo imposible, a lo todo y a lo nada

·         El movimiento Dada emitió su propio manifiesto, o ideas: Propugnó la abolición de la memoria y de la lógica, de la arqueología, de los profetas y del futuro , el quebrantamiento de las normas, la liberación de la fantasía y la creación de un lenguaje incoherente que era el reflejo del vivir de su sociedad.

·         Es un movimiento antiliterario, antipoético, anti-arte que terminó por ser anti-el mismo, para que finalmente muriera por sus propias manos. La destrucción es necesaria para la creación, naciendo así el surrealismo.

DUCHAMP

"FUENTE"

Es un ready-made, un simple urinario convertido en obra de arte por mera decisión del artista. Es un ejemplo paradigmático d ela voluntad de Duchamp de ridiculizar el culto fetichista del objeto artístico y de cuestionar y desmitificar el genio individual.

Es la ironía que lleva implícita la acción de extraer un objeto de su contexto habitual y dotarlo de un nuevo significado.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Tras la 2ª G.M. París pierde la supremacía del arte el cual pasa a Nueva York. El máximo exponente de este expresionismo abstractor es Pollock. Características.

Esta técnica se caracteriza básicamente por:

·         El artista ejerce menos control sobre la creación del cuadro.

·         Los materiales se independizan del pincel y se disttribuyen con mayor autonomía.

·         Pintura total. Se extiende hasta los límites de la tela, parece no tener ni principio ni fin.

·         Telas de gran formato.

·         La pintura total y el gran formato de las telas contribuye a crear un ambiente que atrapa al espectador.

Técnicas de Expresionismo abstracto.

    Action Painting. Los artistas se aproximan al caballete sin ninguna idea preconcebida sobre lo que van a pintar. Sólo saben que pintarán "algo" en la tela blanca. La imagen será el resultado del encuentro del artista con la tela. Existe en esta técnica algunas referencias al surrealismo (azar, lo fortuito).

    Dripping. Consiste en chorrear directamente la pintura del recipiente a la tela que estará extendida en el suelo. Lo innovador es precisamente eso, la tela no está sobre un caballete sino en una superfície lisa (pared o suelo). Esto da más libertad al artista que puede moverse por los 4 lados de la tela e incluso dentro de la misma, en contacto directo con ella.

Se alejan de los utensilios propios del pintor, tales como pinceles, paleta, y prefieren palos, espátulas, cuchillos, pintura fluida que gotee, pesados empastes con arena, vidrios rotos u otros materiales atípicos.

Lo más importante no es el cuadro resultante sino el acto físico de pintar. El lienzo para ellos es como un escenario donde actúan sin guión que coarte su libertad de acción. Su psique ha de expresarse de forma directa y fortuita.

POP ART

Generación de artistas que se oponían a la expresión subjetiva, al irracionalismo, al cientifiscmo, y reivindican la realidad de una nueva cultura popular.

La civilización del consumo se convierte en el objeto artístico. Los temas se extraen de las revistas populares, carteles publicitarios, cómics, y los mitos del rock, el cina y la televisión.

Se forma bajo los postulados capitalistas y tecnológicos de la sociedad industrial; así pues, se nutre de las grandes ciudades, d elos medios de comunicación o de los medios de una sociedad de masas.

Las imágenes que se escogen de estos ámbitos no se embellecen, al contrario, a veces se acentua el mal gusto y se reafirma su carácter de producción en serie. Acostumbran a reflejar la realidad de la época.

Técnicamente s eusan colores estridentes, llamativos, se destaca la impresonalidad de los objetos, la repetición o seriación...

Antecedentes:

·         Cubismo. Integración de material y objjetos cotidianos en collages.

·         Futurismo. Fascinación por la sociedad urbana moderna.

·         Dadaismo. Abandona de este movimiento el componente nihilista. Es más optimista, asume la banalidad con indiferencia para disfrutar de los mitos de la cultura que envuelve las grandes concentraciones urbanas, aunque sea con ironía.

Warhol es el máximo exponente de este arte. En sus copias serigráficas muestra ídolos rotos y oscurecidos que simbolizan el lado oscuro de la fama. Los rostros que uestran estos ídolos representan siempre su parte positiva, su máscara maquillada. Warhol lo que hace es oscurecer la otra parte de su personalidad para sacar a la superfícies ese lado oscuro que todos tenemos, allí donde guardamos nuestros problemas. Por ejmeplo muestra las depresiones de Liz Taylor, el suicidio de Marilyn Monroe...

Parte de su inconografía la forman también productos de consumo que se ofrecen a las masas con emnsajes subliminales en los cuales parece que consumiéndolos seremos mejores, seremos aquel tipo que siempre hemos soñado ser. (coca-cola, seven-up, tartas, helados...). Él convierte estos productos tan atractivos para el público en productos insignificantes, aporta una imagen crítica de ellos.