jueves, 21 de abril de 2016

segundo periodo artes #septimoEOH

A continuacion encontrará los trabajos a realizar en este periodo recuerde que la teoria necesaria la encontrará en el link de este blog  artes septimo  , requiere mucha practica y mucha disciplina... buen trabajo.


















viernes, 15 de abril de 2016

dibujar una figura femenina de pie

Para dibujar la figura humana se requiere conocimiento de la anatomía humana y mucha práctica. Si eres aplicado, consigue un buen libro de anatomía, éste es una importante referencia tanto para los artistas novatos como para los experimentados. Nosotros te recomendamos empezar dibujando posiciones sencillas y preferiblemente de un modelo en vivo. Dibujar la figura desde ángulos inusuales requiere mucha experiencia. No dibujes la figura a partir de una fotografía. Poder dibujar a partir de una fotografía también requiere mucha experiencia y usualmente conduce a los novatos hacia una forma de dibujar superficial y blanda. Dibuja la figura lentamente. Usualmente esto debe tomar al menos tres horas. Pon mucha atención a las proporciones, a la construcción y a la anatomía. Siempre empieza desde las partes importantes y muévete hacia los detalles. El tamaño del dibujo debe ser A3 o superior. Dibuja la figura desde posiciones simples desde diferentes ángulos. Estudia y copia dibujos de Obras Maestras.

Lo que vez en el video son los pasos básicos.




jueves, 14 de abril de 2016

dibujar figura humana


El estudio de las proporciones humanas se remonta a mas de unos 5000
años atrás, con la cultura egipcia. Donde encontraron el canon
más antiguo del estudio de las proporciones humanas.
Desde esos tiempos, el estudio de las proporciones fue evolucionando y perfeccionando.
Existen tres cánones  para determinar las proporciones de la figura humana:

-Un canon de siete cabezas y media = figura común
-Un canon de ocho cabezas = figura ideal
-Un canon de ocho cabezas y media a nueve = figura heroica
Los griegos consideraban que la figura humana era un símbolo de la perfecta proporción como manifestación de la naturaleza; gracias al profundo estudio de las proporciones, pudieron imitar fielmente la anatomía humana y los rostros ganaron una expresividad y realismo perfectos en sus admirables obras. La belleza griega encierra en su interior una exaltación del desnudo como algo natural que nos devuelve al tiempo en que hombre y Naturaleza no se hallaban en contradicción. Los desnudos griegos son nobles, armonizan lo natural con lo más sublime, lo espiritual. los hombres griegos debían estar hechos a imagen y semejanza del estado, fuertes y bien proporcionados.

El canon es el término que se aplica a partir del arte clásico a conjunto de proporciones ideales para la representación perfecta del ser humano. Es un código orientativo que, mediante fórmulas matemáticas, establece las proporciones ideales del cuerpo humano, dividiéndolo en sectores que reciben el nombre de módulos.
La medida estándar del cuerpo humano es de ocho cabezas de altura. Es decir que para comenzar a dibujar un personaje partiremos por la cabeza, la que tomaremos como referencia para el tamaño del cuerpo.

•    La cabeza es una octava parte del cuerpo, y por lo tanto un módulo. Dicho módulo se mide desde la parte alta de la cabeza hasta el fin del mentón, sin incluir el largo del cuello.
•    La anchura de las sienes, determina la anchura del hombro desde la base del cuello hasta la articulación.
•    El codo corresponde con la cintura, la muñeca con el pubis y la mano con la mitad del muslo.
•    La longitud del muslo es igual a la de las piernas.
Tanto en el hombre como en la mujer el brazo llega más o menos hasta la cintura. El tamaño del antebrazo es igual al del brazo. La muñeca debe llegar más o menos hasta el pubis.
Observa que el hombre tiene la espalda mucho mas ancha que la mujer. La mujer en cambio tiene las caderas más anchas que las del hombre.
Es obvio que en el hombre se resaltan más los músculos que en la mujer.
Como dije, ésta es una medida estándar, lo que quiere decir que no todos nuestros personajes deben medir necesariamente ocho cabezas. El tamaño cambia de acuerdo a la edad o el sexo del personaje.  Pero siempre debemos recordar que, sin importar la altura, el centro del cuerpo humano se encuentra a la altura del pubis.



jueves, 7 de abril de 2016

trabajos grado sexto

estos son los trabajos de nivelacion grado sexto:
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trabajos #séptimoEOH plan mejoramiento1

todos estos son los trabajos de nivelacion:
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Arte geométrico, cinético y constructivista: Le parc, Soto, Vasarely e Yturralde



Cartel de la exposiciónDesde finales de los años cincuenta una sensibilidad racional geométrica y constructiva en el terreno de la abstracción se oponía a la angustia -o el lirismo- de la pintura de acción y altras corrientes del momento. Esta dualidad expresiva del arte abstracto ya estaba anunciada desde su formulación inicial (Kandinski, 1910) y a lo largo del siglo no han dejado de entrecruzarse estos caminos aparentemente separados. La vía constructiva, la de la arquitectura del color y de la forma, de la medida y el modelo geométrico dibuja una linea que se inicia con el cubismo, aunque figurativo, y continua con el constructivismo y otros movimientos, con frecuencia desconectados entre sí, como la Bauhaus, Cercle et Carré, Abstraction-Creation, el arte cinético, la abstracción postpictórica americana, el Minimal-Art…y numerosos autores hasta nuestros días.
El arte cinético incorpora el movimiento y su desarrollo espacio-temporal como material plástico, animando la producción artística de los años sesenta y siguientes. El movimiento real o ilusorio (y en este caso es más apropiado hablar de Optical-Art, en clara relación con las teorías de la percepción visual) se convierte en protagonista de la obra de arte. Con él se desarrollan otros conceptos como la inversión de fondo y forma, la oscilación entre lo plano y lo tridimensional, la interacción del color o la ambigüedad perceptiva.
Sala de exposiciones: Arte Geometrico en el museo
Los autores geométricos continúan desarrollando la integración de su actividad con la arquitectura y las ciudades, acercando el arte a la ciencia y a las nuevas tecnologías. Su obra, como fruto sereno de la meditación, pervive, opera e influye en nuestro entorno.
En esta exposición itinerante CAM, las serigrafías de Soto, Vasarely e Yturralde o las aerografías de Le Parc son un ejemplo del empeño en mostrar el esplendor del universo por parte de artistas de distinta procedencia que apuestan por un arte reflexivo y clarificador.
La exposición itinerante Arte Geométrico, cinético y constructivista consta de cinco aerografías de LE PARC, nueve serigrafías de SOTO, diez de VASARELY y once serigrafías de YTURRALDE, además de los paneles explicativos de los correspondientes autores.

Julio Le Parc

Julio Le ParcJulio Le Parc nació en Mendoza, Argentina, en 1928. En Buenos Aires, y tras una agitada vida de estudiante y de trabajador, jalonada por varias etapas dentro y fuera de la Escuela de Bellas Artes, adquiere su formación inicial, que comprende desde influencias de L. Fontana y de los diferentes movimientos artísticos de vanguardia, hasta un sustrato sociopolítico progresista -deslindado de su propia linea pictórica- que le convertirá en un claro ejemplar de artista enclavado polémicamente en su tiempo.
La distorsión, el juego, la sorpresa y el entretenimiento son básicos en la obra de Julio Le Parc. Desde mediados de los 70, en un momento de retorno al color y a la pintura, Le Parc descompone el movimiento en refinadas secuencias, recreando un desplazamiento permanente y misterioso de luminosos círculos a través de franjas tabulares.
Desde Francia, donde vive y trabaja, mantiene una intermitente relación con España: exposiciones, murales, cursos (Círculo de Bellas Artes de Madrid)… y una cita anual con la cosata de Almería desde hace más de dos décadas.

Jesús Rafael Soto

Jesús Rafael SotoJesús Rafael Soto nació en Ciudad Bolívar, Venezuela, en 1923. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Caracas y allí comenzó a entender la magistral lección de simplificación geométrica que se había iniciado con Cézanne y el Cubismo. Durante tres años Jesús Rafael Soto fue director de la Escuela de Bellas Artes de Maracaibo. En 1950, el joven Soto decide ir a París y desde entonces vive y trabaja en Francia.
Jesús Rafael Soto quería reducir el movimiento físico a vibración sensorial, fundir el dinamismo real con el efecto óptico. Soto imprime un fuerte dinamismo al doble plano: los colores avanzan o retroceden, las lineas negras invierten su relación con el fondo, todas las formas se necesitan para terminar desbordando los límites físicos de la obra.
Soto decidió hacia 1969 ampliar la escala e invitarnos a entrar en sus obras para explorar nuevas experiencias visuales, táctiles o auditivas.

Victor Vasarely

Victor VasarelyVictor Vasarely nació en Pecs (Hungría) en 1908. Realizó estudios en la Academia de Pintura y en la Bauhaus de Budapest. En 1930 se trasladó a París, donde trabajó como pintor y grafista publicitario. La meticulosidad y destreza técnica adquirida por Vasarely serían fundamentales en su evolución posterior, caracterizada por el rigor constructivo y la nitidez en la definición formal. En la década de los 40, Vasarely sistematiza su obra a base de formas geométricas dispuestas ordenadamente: círculos, elipses, cuadrados o rectángulos en complejas composiciones donde el equilibrio tonal -al principio en blanco y negro- no impedirá la existencia de perturbadoras tensiones perceptivas.
Nada es accesorio ni azaroso en las construcciones formales de Victor Vasarely: la programación de sus “unidades plásticas” sigue un riguroso esquema lógico. La continua alternancia y yuxtaposición de elementos visuales y la manera en que se relacionan (ambigüedad entre fondo y forma, lo transparente y lo opaco, contraste de complementarios, frio contra cálido, el deslizamiento de lo plano a lo tridimensional, contracción y expansión…) Las imágenes “se mueven” en múltiples direcciones. y el impacto hace que el espectador se desplace visualmente a través de ellas, intentando organizar las secuencias, generando otras formas-colores y otras relaciones en el tiempo.
La energía y potencial de Victor Vasarely, así como la versatilidad de su producción, le han permitido la derivación del cinetismo hacia la escultura y su integración en proyectos arquitectónicos.

José Maria Yturralde

José Maria YturraldeJosé Maria Yturralde nació en Cuenca, 1942. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia. Desde 1980, es profesor de colorido en dicha Facultad y desde 1987, Yturralde es director de su departamento de Pintura.
En sus años de becario y estudiante inquieto se interesó por el formalismo matérico y evolucionó hacia la abstracción geometrizante, influenciado por la obra de Victor Vasarely y el constructivismo. En 1966, en la aventura del Museo de Arte Abstracto de Cuenca, contacta con Zóbel, Torner, Sempere, Saura y Gerardo Rueda.
La pasión por la geometría le hace profundizar en su estudio, considerando nuevos sistemas proyectivos y de representación no euclidianos. A finales de los 70 José Maria Yturralde toma contacto con la holografía, el láser y las fibras ópticas, con la inquietud de quien se declara deslumbrado siempre por la “mecánica ajustada y evolución incesante” del universo, y está dispuesto a buscar instrumentos conceptuales y técnicos que le permitan acercarse a su comprensión.
Desde 1986, como evolución o ruptura desde las figuras imposibles, José Maria Yturralde parece “retomar el plano y una actitud más poética y, sin embargo, precisa” en su pintura. También de esta fase se presentan algunas serigrafías en la exposición “Arte Geométrico, cinético y constructivista”.