Origami 3D Como hacer piezas.

En este tutorial aprenderán hacer las piezas que se utilizan para hacer Origami 3D Dos tipos de piezas que se pueden utilizar pero el dobles es el mismo Conserva los colores de tus figuras de origami 3D http://youtu.be/T91F80SvFCo Técnicas de Corte de Hojas http://youtu.be/KVaTaVjw_YU Pagina: https://www.facebook.com/Papiroflexia...

recuperacion español eoh jt705 706 Deisy Rey

Recuperación 705 706 español deisy rey de John Barbosa

plan mejoramiento ingles grado séptimo1º semestre EOH jt Samuel

Recuperacion i semestre ingles eoh jt from John Barbosa

plan mejoramiento ciencias naturales y biología 7 EOH JTJairo Cortes

Ev. recuperacion ciencias 7° semestre 1 2017 de John Barbosa

plan de mejoramiento ciencias y educacion ambiental 7 EOH JT Natalia Santana

Pm semestral ciencias septimo 1eoh from John Barbosa

plan mejoramiento matemáticas 1ºsem 2017 eoh JT Milena_Osorio

Recuperacion del semestre eoh from John Barbosa

dibujo técnico - introducción

Michael hampton figure drawing - design and invention

les comparto este libro practico y muy bueno

Michael hampton figure drawing - design and invention from Jose Reyes

trabajos séptimo primer momento

Cómo dibujar figura humana

El cuerpo humano es el tema principal en la mayoría de las obras de arte realizadas en la historia. Para estudiarlo vamos a tener en cuenta dos aspectos fundamentales: el estudio de las proporciones del cuerpo y la forma en que este expresa un movimiento o situación.

Se dice que al dominar la figura humana se puede dominar todos los demás temas del dibujo. Esto hace referencia al nivel de dificultad que nos presenta. La complejidad de sus formas y posturas, el estudio acabado de las extremidades, las expresiones faciales, los dedos, los pies, etc. Todo esto debe ser estudiado desde su anatomía, sus huesos y músculos.

Esto suele ser para algún motivo de frustración, pues los avances no son por lo general muy rápidos, es posible que el alumno se sienta desmoralizado. Es en este momento cuando deberás pensar que no estás estudiando cualquier cosa, que independiente de tus habilidades y talentos, es debido dedicar muchas horas a esta tarea y que esto no se entienda como un sacrificio, sino una oportunidad de hacer un gran trabajo, tómalo como un privilegio.

   

CANONES

Los cánones corresponden a sistemas o métodos mediante los cuales podemos llegar a dicha perfección proporcional.

Solo vamos a hacer referencia a algunos de estos cánones, pues es el objetivo de este curso es usar el que más nos acomode.

El canon de los egipcios divide el cuerpo en 19 partes iguales, lo cual es algo complejo para nuestros propósitos, no obstante, es bueno conocerlo.

El canon de Policleto es el considerado como del “hombre normal”, es uno de los más usados en la historia, pertenece a la cultura griega y divide el cuerpo en 7,5 partes, cada una de las siete corresponde al tamaño de una cabeza.

           

El canon del renacimiento divide el cuerpo en 8 partes iguales, también cada una de ellas del tamaño de una cabeza. Este canon proviene del artista romano Vitrubio y siglos después fue usado y difundido por Leonardo de Vinci.

Esta lección muestra cómo dibujar una figura femenina de pie.

Para dibujar la figura humana se requiere conocimiento de la anatomía humana y mucha práctica. Si eres aplicado, consigue un buen libro de anatomía, éste es una importante referencia tanto para los artistas novatos como para los experimentados. Nosotros te recomendamos empezar dibujando posiciones sencillas y preferiblemente de un modelo en vivo. Dibujar la figura desde ángulos inusuales requiere mucha experiencia. No dibujes la figura a partir de una fotografía. Poder dibujar a partir de una fotografía también requiere mucha experiencia y usualmente conduce a los novatos hacia una forma de dibujar superficial y blanda. Dibuja la figura lentamente. Usualmente esto debe tomar al menos tres horas. Pon mucha atención a las proporciones, a la construcción y a la anatomía. Siempre empieza desde las partes importantes y muévete hacia los detalles. El tamaño del dibujo debe ser A4 o superior. Dibuja la figura desde posiciones simples desde diferentes ángulos. Estudia y copia dibujos de Obras Maestras.

Lo que vez en el video son los pasos básicos.

¿Cómo se hace una animación stop motion y técnicas compatibles.?

Stop motion es una técnica de rodaje basada en continuas tomas fotográficas, donde cada plano varia ligeramente del anterior, creando así la ilusión de una animación, como en los dibujos animados y en los cortos con muñecos de plastilina o materiales moldeables.
La animación se realiza cuadro a cuadro (frames). Variando ligeramente la posición de los muñecos, o recortes de imágenes o dibujos, en cada captura de imagen y en función del movimiento que se quiera dar, adecuada al argumento o mensaje que se quiera transmitir. Con cualquier editor de video o con una aplicación informática específica podemos unir los frames para crear cada secuencia y añadir posteriormente el audio. Tenemos la posibilidad de utilizar un sitio web on line, como Monkey Jam por ejemplo, donde subir las fotografías y obtener el video con la secuencia de imágenes montada.

Explora los recursos y materiales educativos diseñados para la narración digital.

Programas como dragonframe y Animator DV Free para ordenadores facilitan la grabación y edición de una animación con una calidad óptima. Estas aplicaciones informáticas capturan cuadro a cuadro y editan el video o las secuencias. Podemos, como alternativa más común, realizar la animación utilizando exclusivamente el editor de video de nuestro ordenador. Daremos el valor temporal mínimo a cada fotografía o captura. En Movie Maker si dispones de Windows, en iMovie de Appel (Macintosh) o con loseditores de video del sofware libre si instalas Ubuntu en tu computadora.

el color ppt

descargue la presentacion interactiva a traves de la cual recibiras una introduccion al tema y a los colores, ela borada por Briggitte Santana CUANDO ESTUDIABA DISEÑO GRAFICO

¿Para qué sirven los colores complementarios en la pintura?

Uno de los conceptos fundamentales para obtener resultados profesionales en nuestras pinturas es el de los colores complementarios. Su manejo es indispensable para lograr magníficos contrastes, hermosos matices y oscurecer los tonos de manera apropiada.

Tanto el arte clásico como el más moderno se han valido del uso de los colores complementarios, en el primer caso para obtener colores terrosos o grises y en el segundo caso para crear vibrantes composiciones de arte abstracto o impresionista.

Complementarios de los colores primarios y secundarios

Los colores complementarios son los que están opuestos en el círculo cromático , el complementario de un color primario siempre será uno secundario, y viceversa, así:

En este diagrama, vemos las tres parejas principales de colores complementarios:

Amarillo – Violeta

Azul – Naranja

Rojo – Verde

Para que no te aprendas de una manera mecánica estas parejas, analízalo de forma práctica respondiendo a esta pregunta:

¿Cuál es el color o los colores que falta(n) para tener los tres primarios?

Por ejemplo, si buscas el complementario del violeta ya sabes que este color está formado por rojo y azul. Por lo tanto su complementario es el amarillo pues es el único primario que falta.

Si buscas el complementario del azul, necesitaremos amarillo y rojo para tener los tres primarios, y la mezcla de estos dos colores que faltan forma el naranja, siendo entonces el complementario del azul.

Complementarios de los colores terciarios

En nuestras pinturas manejaremos extensamente los colores terciarios, es decir la mezcla de un color secundario con una cantidad adicional de uno de los primarios que lo conforman. Analizando la rueda de colores, obtenemos otras tres parejas de complementarios:

Amarillo verde – Rojo violeta

Rojo naranja – Azul verde

Azul violeta – Amarillo naranja

Por ejemplo si tienes un amarillo verdoso, esto significa que es un color verde con una cantidad adicional de amarillo, y necesitaremos un color que tenga bastante rojo el cual está totalmente ausente, pero que al mismo tiempo tenga un poco de azul para equilibrar la menor cantidad que hay en el amarillo verdoso. Por lo tanto la mejor opción es un Rojo – violeta. Te lo explico en el siguiente esquema:

Los cuadros de cada color primario no se refieren a la cantidad de pintura agregada sino a su poder de tinción, a su peso, tal como ocurre si comparamos el algodón con el hierro: un kilo de algodón ocupa más espacio que un kilo de hierro. Así, necesitaremos agregar más amarillo para lograr un poder de tinción equivalente al mismo poder de tinción de una pequeña cantidad de azul y que se obtenga un verde puro, medio y equilibrado. Entonces, para obtener la tendencia amarillosa debemos agregar aún más amarillo. Por su parte el rojo tiñe más que el amarillo pero no tanto como el azul.

¿Pero para qué sirven los colores complementarios en la pintura?

• El uso de los colores complementarios uno al lado del otro, genera armonía, vibración, drama, y movimiento pues se intensifican entre sí. Pero para que no se cree una sensación caótica y desagradable a la vista, uno de los dos colores debe predominar sobre el otro.

Igualmente no se requiere que se apliquen los colores exactamente puros, es decir un azul puro junto a un naranja vibrante, se pueden usar diferentes matices de estos colores, para obtener resultados más sutiles.

• En técnicas impresionistas, se puede poner uno al lado del otro, en el que uno sea la luz y el otro represente la sombra.

• Nos sirven para resaltar áreas de interés, por la generación de contraste.

• Si mezclamos un color con su complementario se neutralizan entre sí obteniendo colores grises, cafés, colores tierra o quebrados, como también se les llama. En algunas ocasiones, al usar los tonos adecuados en las proporciones exactas, podemos lograr el color negro.

• Cuando deseamos un color específico en nuestro cuadro pero este es demasiado saturado o brillante, y deseamos “apagarlo” un poco, bajarle la intensidad para que no quede tan llamativo, le agregamos una pequeña cantidad del complementario, pero sin que se cambie la tendencia principal del color.

• Para obtener las sombras más oscuras de los colores, es más apropiado agregar el color complementario, en lugar de usar exclusivamente el color negro.

• Igualmente, para obtener zonas de luces altas más llamativas, se pone una pequeñísima parte del color complementario en el blanco, el cual si lo usamos sólo dará un efecto aburrido y frío.

Finalmente te doy otra clave práctica para encontrar el complementario: mira fijamente el color por 30 segundos y luego mira una pared u hoja en blanco, en la cual por efectos ópticos verás un “fantasma” del color complementario.

¿Qué es el arte óptico?

                 Es una corriente artística abstracta, que surgió a partir del movimiento abstracto-constructivista representado por el suprematismo, De Slijl y la Bauhaus, también se conoce como Op art u Optical art. Nacido en Estados Unidos en el año 1958. Este tipo de arte utiliza sobre todo ilusiones ópticas, basada en la composición de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento e una superficie bidimensional, es por eso, por lo que en todas las obras que se han realizado en el arte óptico hacen que el espectador colabore de manera activa ya sea desplazándose o moviéndose para intentar captar el efecto óptico, es por esto por lo que este tipo de obras no tienen ninguna apariencia emocional. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Es un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece.

Se utiliza la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.

El arte óptico como movimiento artístico data de finales de la década del 50, hasta mediados de los 60 se conformó como una tendencia formal, más tarde por el 1965, el museo de arte moderno de New York (MoMa), organizara una exposición con el nombre de The Responsive Eye. El arte óptico es una corriente pictórica a diferencia del arte cinético que es escultórica. Por ello, las técnicas más destacadas del Op art son:

Se utiliza la yuxtaposición del color, con matices cromáticos identificables, o acromático usando el negro, blanco o gris.

Los espacios positivos y negativos tienen la misma importancia, en el arte Op Art no puede ser creado sin ambos.

Crear un complejo de tensiones visuales en la mente del visionario, que da la sensación de ser una ilusión en movimiento.

Líneas paralelas que pueden ser sinuosas o rectas

Los contrastes tienen que ser cromáticos y muy marcados. Existen dos tipos o poli o bicromáticos.

Hay cambios de tamaño y de forma

Se mezclan o se repiten figuras y formas.

Usan muchas figuras geométricas como pueden ser: rectángulos, triángulos, círculos y cuadrados.

Después de la Segunda Guerra Mundial se desarrolla una nueva etapa de artistas abstractos, estos artistas no se preocupan solo de representar en sus obras sentimientos, sino que también pide al espectador que tenga una actitud activa hacia ellos. En las obras artísticas que realizan el ojo humano tiene que estar observando la obra detenidamente y percibir que se mueve, aparte de buscar el inicio y el fin de ella. En periodo, comentado anteriormente, el centro de este tipo de arte era Nueva York.

En resumen, el arte óptico es una modalidad artística abstracta que se basa principalmente en la representación pictórica de un fenómeno óptico que de la sensación de que está en movimiento. Su base es una extensión bidimensional que miente al ojo humano por ilusiones ópticas, para crear estas ilusiones ópticas se utilizan estructuras repetidas que tiene un orden determinado. Si diferenciamos al arte óptico con otras artes destacadas, tenemos que destacar que este tipo de arte básicamente se trata de principios científicos cuyo objetivo es desarrollar efectos visuales únicos. Muchas personas definen a este tipo de arte como algo técnico, impersonal y que en muchas ocasiones da la probabilidad de que el que observa dicha obra pueda cambiar la configuración que tiene.

DISEÑO EN LA NATURALEZA

¿Qué es el diseño?

El Diseño es definido como la concepción y planificación de todos los productos elaborados por el humano: ordenamiento del entorno al remodelar los materiales naturales con el fin de satisfacer necesidades y lograr nuestros propósitos; por lo tanto, al diseño se lo considera un instrumento para mejorar la calidad de vida.

A lo largo del Siglo XX, el diseño ha formado parte importante de la cultura y la vida cotidiana. Su alcance es muy amplio e incluye desde objetos tridimensionales hasta comunicaciones gráficas y sistemas integrados de la tecnología de la información en entornos urbanos.

Los orígenes del diseño se remontan a la Revolución Industrial y a la aparición de la producción mecanizada. Antes de ese período, los objetos se fabricaban artesanalmente y la concepción y realización de un objeto la llevaba a cabo un individuo en su taller.

De este modo, una simple tetera o un mueble, podían tener un costo muy elevado debido a las cualidades de los materiales y la dedicación con que se debían elaborar, lo que hacía que los objetos fueran muy preciados y se heredaran de generación a generación dentro de una misma familia.

Pero el sistema de producción en serie con que funcionan las fábricas, reemplazó la manufactura artesanal de objetos y dio nacimiento al diseño moderno.

El diseño, como lo entendemos desde la Revolución Industrial, permite que se cree una matriz única, es decir, una forma original del objeto (ya sea bidimensional o tridimensional), que es la base desde la cual se realizan después múltiples copias industriales.

Componentes considerados en el diseño moderno

Materiales

Son los objetos y substancias naturales cuyas formas y propiedades modificamos en el proceso de diseño, con el propósito de que las formas de los materiales existentes se vuelvan apropiadas para lo que deseamos o necesitamos.

El diseñador necesita saber cuáles son las propiedades del material, de modo que pueda idear diseños que resulten adecuados a éste y quizá descubrir nuevos modos de utilizarlos: dureza, blandura, resistencia, fuerza tensora o compresora, ductilidad o rigidez, color, todo ello determinará qué formas aceptará un material y para qué funciones resultará adecuado.

No obstante, es bastante común que a un material se lo adapte a funciones tradicionalmente realizadas por otro.

Así, la aparición de nuevos materiales como el acero, plástico y caucho, estimularon innovadoras ideas de diseño y dieron nuevas características físicas a objetos familiares.

Ese proceso de adaptación de materiales es constante y sucede hasta hoy en día.

¿conoces los zapatos de caucho? ¿las muebles inflables? ¿las cámaras fotográficas desechables? ¿la ropa de tela de cáñamo?

Esos son algunos ejemplos de readaptación de materiales.

Procesos

Son las acciones físicas que dan a un material las formas diseñadas.

En el caso de pequeñas empresas, tales como la alfarería o la fabricación de muebles sencillos, el artesano es también el diseñador; a veces las creaciones formales son originales, pero frecuentemente son ideas tradicionales repetidas de modo rutinario, generación tras generación.

En obras de mayor envergadura, como la construcción de una catedral, las habilidades de los artesanos, como canteros y carpinteros, siempre están subordinadas a un diseño global, y estas personas trabajan según normas aportadas por el diseñador.

Durante el período industrial inicial, la fabricación de productos se fraccionó en procesos separados más simples, cada uno de los cuales podía ser llevado a cabo por personas que no siempre tenían que ser artesanos, en el sentido clásico del término.

Actualmente, el diseñador industrial y el técnico de procesos, que trabajan con máquinas complejas y normas técnicas aportadas por clientes a quienes la manera de obtener el resultado no siempre les preocupa, han erosionado aún más el alcance y el valor de las destrezas manuales en la industria.

Como resultado, hoy en día, las verdaderas Artesanías han llegado a ser ámbito exclusivo de personas que procesan sus propios materiales, diseñan sus propios productos y se consideran a sí mismos artistas independientes.

 Forma

Podemos considerar el diseño como un tipo de modelado mental, una variedad del pensamiento abstracto derivado de la actividad básica humana de manipular y remodelar el mundo físico.

Algunos tipos de pensamiento formal, como las matemáticas, son muy abstractos. Pero el diseñador debe idear formas que puedan ser transformadas en realidades con los recursos disponibles.

Los diseñadores creativos pueden dedicarse a idear nuevas formas que supongan un reto para los procesos y materiales ya existentes.

Si un diseñador idea una silla de metal, debe estudiar factores tales como la fuerza del acero, la forma del cuerpo humano y las estructuras estabilizadoras.

Y aunque no participe en la fabricación real de la silla, debe modelar el diseño con un claro sentido de cómo puede realizarse. Los dibujos y especificaciones que el diseñador realiza tienen que transmitir a otras personas las formas, componentes y materiales necesarios para concretar su proyecto.

Propósitos y función

La forma de un objeto está determinada, en gran medida, por su propósito; en muchos casos por múltiples propósitos, tanto prácticos como psicológicos.

En un extremo, por ejemplo, están las radios portátiles taiwanesas de bajo costo, tamaño pequeño, relativa resistencia y alta distribución, cuya intención primera es satisfacer la necesidad de radios en el tercer mundo, en desmedro de la calidad.

En el otro extremo se hallan los grandes monumentos culturales tales como catedrales, edificios públicos, torres, etc... que son pensados para responder no sólo a propósitos prácticos, sino también estéticos, espirituales y políticos.

Entre ambos extremos hay una enorme variedad de tareas que debe cumplir el diseño: dar forma a automóviles, empaquetar cereales, maquetar anuncios, elaborar formatos de computadores, etc.

Esta variedad productiva nos señala que los extremos no están efectivamente separados, que a menudo se tocan y se articulan para lograr en conjunto sus propósitos. Tendemos a considerar la función y el aspecto (lo práctico y lo estético) como mutuamente excluyentes, y no nos damos cuenta de que el diseño puede aplicarse a ambos, e integrarlos efectivamente.

Propósito y función son dos cosas distintas; por un lado, está el objeto que tiene un solo propósito, una función. Por ejemplo, el martillo está pensado sólo para golpear cosas. En el otro lado está el objeto puramente estético, como la pintura abstracta. Carece de función (porque ni siquiera describe el mundo físico como la pintura figurativa) pero tiene un propósito: la expresión y presentación de sentimientos y sensaciones.

Los propósitos varían desde el más simple al más complejo; lo mismo ocurre con las soluciones. Una buena solución de diseño puede ser compleja, pero el mejor diseño generalmente parece sencillo, contradiciendo las complejidades de su formulación.

Un excelente diseño, que se convierte en un clásico que marca época y estilo, es aquél que logra combinar una innovadora solución práctica con belleza y atractivo visual.

Naturaleza y diseño

Antes de que el ser humano creara artefactos útiles con sus propias manos y luego ideara las pautas de diseño, ya la naturaleza nos regalaba maravillosas fuentes de inspiración.

Las formas, estructuras y colores de los distintos elementos del medio ambiente muchas veces nos parecen hermosas y cercanas a la perfección.

Los diseñadores y arquitectos también han sentido esto mismo.

Así, para muchos de ellos, la naturaleza es el mejor lugar para encontrar soluciones formales y aplicarlas a sus creaciones.

A continuación podrás ver una selección de imágenes de estructuras de elementos de la naturaleza que presentan un interés especial desde la perspectiva del diseño.

También hay imágenes de diseños que claramente se relacionan con la naturaleza, para que compares y descubras las semejanzas.

títere en goma espuma

Te muestro cómo hacer este simpático títere de calcetín con goma espuma paso a paso y con todos los patrones. 

PARA DESCARGAR EL PATRON:
http://manualidadesparatodos.net/tite...

VISITA MI TIENDA DE TÍTERES:
https://www.etsy.com/il-en/shop/AnaPu...

Sitio web : 
http://manualidadesparatodos.net
YouTube : 
http://www.youtube.com/user/manualida... 
Facebook :
https://www.facebook.com/Ana.manualid...
Google+ : 
https://www.google.com/+Manualidadesp...

Colores cálidos

Temperatura del color

La división de los colores en cálidos y fríos responde a la sensación térmica y a la vez psicológica que producen los colores y su relación con el entorno y experiencia de las personas.

Los colores cálidos

Son el escarlata, el rojo, naranja, amarillo y el verde-limón (o amarillo verdoso).

Asociaciones psicológicas

Estos colores expresan cualidades positivas, y provocan la sensación alegría, actividad, movimiento, calor. Incitan a la actividad, la diversión y a la acción. Son colores que representan la extraversión. Llevados al extremo, representan también la agresividad, competitividad, expansión, la iniciativa.

Efectos atribuidos en cromoterapia

Estos colores tienen un efecto estimulante sobre el conjunto del organismo por su acción sobre el sistema nervioso simpático, el sistema que activa el movimiento y estimulación de la actividad en el organismo. Tengamos en cuenta que el sistema simpático inhibe ciertas funciones que no son necesarias frente a la estimulación o atención exterior, por ejemplo las secreciones digestivas.
Las patologías vinculadas con los colores cálidos son las agudas, de reacción rápida e intensa y son principalmente de carácter inflamatorio. Estos colores tienen un efecto acidificante.

Colores fríos

Temperatura del color

La división de los colores en cálidos y fríos responde a la sensación térmica y a la vez psicológica que producen los colores y su relación con el entorno y experiencia de las personas.

Colores fríos:  Violeta, Azul, Azul Cielo, Cian, Turquesa, Verde.

Los colores fríos

Se consideran los siguientes: turquesa (o verde azulado), cian (azul claro), índigo, azul y violeta (oscuro). El blanco, aunque no está definido como un color en sí, también se le asocia al frío, por la vacío, y por su semejanza a la nieve, al hielo y por el efecto de amplitud que provoca.

Asociaciones psicológicas

Los colores fríos provocan la sensación de serenidad, recogimiento, la pasividad, el sentimentalismo, la sensación de frío. También evocan la lejanía, la cautela, y en gran cantidad producen efecto de amplitud, agrandan los espacios.

Imagen con colores fríos

Efectos atribuidos en cromoterapia

Estos colores influyen sobre el conjunto del organismo por estimulación del sistema nervioso parasimpático. La acción parasimpática permite la inhibición de muchas de las funciones corporales para mantener un estado de relajación relativa, por ejemplo estimula la digestión, disminuye el ritmo cardíaco, etc.

Se relacionan con las patologías crónicas, de largo plazo. Tienen efecto sedante en general, inhibidor, también se les consideran colores alcalinizantes.

características de las pinturas y el pigmento

Pigmento

            Un pigmento —palabra proveniente del Latín pigmentum—, es un material que cambia el color de la luz que refleja o transmite como resultado de la absorción selectiva de la luz según su longitud de onda (que es el parámetro determinante del color). Este proceso físico es diferente a la fluorescencia, la fosforescencia y otras formas de luminiscencia, en las cuales el propio material emite luz. Ciertos materiales absorben selectivamente ciertas ondas de luz, dependiendo de su longitud de onda. Los materiales que los seres humanos han elegido y producido para ser utilizados como pigmentos por lo general tienen propiedades especiales que los vuelven ideales para colorear otros materiales; esos pigmentos deben tener una alta fuerza teñidora relativa a los materiales que colorean; además deben ser estables en forma sólida a temperatura ambiente.

Los pigmentos son utilizados para teñir pintura, tinta, plástico, textiles, cosméticos, alimentos y otros productos. La mayoría de los pigmentos utilizados en la manufactura y en las artes visuales son colorantes secos, usualmente en forma de polvo fino. Este polvo es añadido a un vehículo o matriz, un material relativamente neutro o incoloro que actúa como adhesivo. Para aplicaciones industriales, así como artísticas, la permanencia y la estabilidad son propiedades deseadas. Los pigmentos que no son permanentes son llamados fugitivos. Los pigmentos fugitivos se desvanecen con el tiempo, o con la exposición a la luz, mientras que otros terminan por ennegrecer.

Generalmente se hace distinción entre un pigmento, el cual es insoluble en el vehículo (formando una suspensión), y un tinte, el cual o es un líquido o es soluble en el vehículo (resultando en una solución). Un colorante puede ser un pigmento o un tinte dependiendo del vehículo en el que se usa. En algunos casos, un pigmento puede ser fabricado a partir de un tinte precipitando un tinte soluble con una sal metálica.

Los pigmentos han sido utilizados desde tiempos prehistóricos, y han sido fundamentales en las artes visuales a lo largo de la Historia. Los principales pigmentos naturales utilizados son de origen mineral o biológico. La necesidad de conseguir pigmentos menos costosos dada la escasez de algunos colores, como el azul, propició la aparición de los pigmentos sintéticos.

Propiedades específicas de las pinturas

Una pintura es una capa de pigmentos aplicada a una superficie. Es un arreglo de formas y colores. Es una proyección de la personalidad del autor, un testimonio de la filosofía de la época que la produjo, y puede tener un significado más allá de cualquier cosa con respecto a un hombre o a un periodo. La pintura consiste en la representación plástica de una serie de elementos formales en una superficie plana, de dos dimensiones: alto y ancho.

Cada uno de estos tipos con sus respectivas características:

Cuando vamos a la tienda por pintura, hay que prestar atención a la letra pequeña de los envases, leer detenidamente cuáles son las características y propiedades del producto y cuál es su uso adecuado. Éstos son términos que podemos encontrar frecuentemente:

Rendimiento: Es la superficie que puede cubrirse con cierta cantidad de pintura. Generalmente se habla de metros cuadrados por litro. El rendimiento mucho tiene que ver con el tipo de pintura y las condiciones de la superficie a pintar. ¿Es posible hacer rendir más la pintura?

Secado entre manos: O tiempo de secado entre manos, es el tiempo que debe transcurrir para que puede aplicarse una nueva mano o capa de pintura. Si no se respeta el secado entre manos la pintura puede cubrir menos, tener una menor duración o no lograr una buena terminación.

Secado al tacto: Es el tiempo en el que tarda la pintura en secar superficialmente  pero no se trata de un secado completo. Si tocamos la pared o la superficie pintada parece seca, pero todavía no se encuentra en condiciones para una nueva mano de material.

Poder cubritivo: Es la capacidad de la pintura de cubrir o tapar el color del material o pintura anterior. Con una pintura con alto poder cubritivo serán necesarias menos manos para terminar el trabajo, siempre y cuando se aplique de manera correcta.

Resistencia a la intemperie: Cualidad de algunas pinturas de resistir a los fenómenos atmosféricos como el sol, la humedad o la lluvia. Es una propiedad que se valora en pinturas especiales para exteriores.

Resistencia a la abrasión: Los distintos materiales que están preparados para resistir productos abrasivos como detergentes y otros que causarían daños en pinturas convencionales. Las pinturas con gran resistencia a la abrasión generalmente se usan en ámbitos industriales.

Resistencia a altas temperatura: Tienen esta característica pinturas que deben soportar temperaturas mayores a la ambiental. Hay pinturas que pueden resistir hasta 500º C.

Resistencia al tráfico o tránsito: Es una propiedad que se destaca en pinturas para piso o suelos, por el desgaste obvio del tránsito de personas. Son materiales de gran dureza y desgaste prolongado.

Resistencia a la limpieza: La constante limpieza puede generar rápidamente un desgaste en la pintura en ciertos sectores. En estos casos se utilizan pintura con buena resistencia al roce y fregado continuo.

Durabilidad: Esta es una propiedad que presumen todos los envases de pintura, diciendo que se trata de una pintura con gran durabilidad  es decir  que conservará sus propiedades a lo largo del tiempo. Solo el mismo lo hará saber.

Lavabilidad: Una pintura lavable es una pintura que admite una limpieza con agua y elementos no abrasivos periódicamente, para quitar suciedad adherida, pero no significa que resista una limpieza constante.

Terminación: Cuando se habla de terminación se hace referencia a el aspecto que tendrá la pintura una vez halla secado. Suave, rugoso, aterciopelado, piel de naranja, todas son posibles terminaciones de la pintura que dependen del tipo de material y forma de aplicación.

Acabado o brillo: Puede confundirse terminación con acabado. Generalmente se denomina acabado al brillo que tendrá la pintura una vez haya secado, que va desde el opaco hasta el super brillante.

No todas las pinturas poseen todas estas características o propiedades, sino que difieren de acuerdo al uso específico de cada una de ellas. Las pinturas plásticas o al agua son muy adecuadas para decorar los techos, paredes y madera de nuestras casas. No obstante, debido a su elevada calidad también pueden emplearse como revestimiento en exteriores. En el mercado podremos encontrar multitud de colores que se adaptarán a la decoración de nuestra casa, aunque también podemos pedir que nos hagan un color personalizado, y estas pinturas pueden ser mates o satinadas.

Este tipo de pinturas se diluyen en agua y pueden mezclarse con otras de base acuosa para conseguir diferentes tonalidades. También puede teñirlas empleando colorantes universales o colorantes acrílicos, aunque siempre suele ser mejor optar por el color según sale del bote, porque luego nos puede llegar a ser muy difícil conseguir una misma tonalidad si se nos acaba la cantidad de pintura que hemos preparado o si queremos pintar de ese mismo color otra estancia de nuestra casa.

Además tienen otra importante ventaja: la rapidez de su secado -de una a tres horas- por lo que no tardaremos en poder dar una segunda mano si la superficie lo precisa. Poseen una mayor riqueza en el pigmento que otros tipos de pinturas, por lo que con una sola mano podemos obtener mejores resultados que empleando dos manos con cualquier otro tipo de producto.

Son pinturas baratas y sumamente recomendables si lo que se quiere cubrir son superficies de grandes dimensiones, y además son muy resistentes a la humedad, por lo que se convierten en la mejor opción a la hora de pintar cocinas y, sobre todo, baños.

También es bueno saber que si se cansa de un color se puede pintar encima, aunque estas pinturas pueden retirarse con relativa facilidad empleando alcohol desnaturalizado.

Existen dos tipos de oleo.

Oleo tradicional al aceite. y el oleo al agua.

VEHICULO DEL OLEO TRADICIONAL DE ACEITE.

Principalmente aceite de lino, y otros Aceites modificados de acuerdo al pigmento modificado.

VEHICULO DEL OLEO AL AGUA.

Aceites modificados para ser diluidos con agua. Los óleos al agua aceptan agua como diluyentes, conservando las demás características de los óleos

PIGMENTOS

Ambas líneas utilizan los mismos pigmentos en su composición.

Pigmentos Los óleos admiten una muy alta pureza y concentración de pigmentos

PERMANENCIA

Se utilizan únicamente pigmentos permanentes o muy permanentes a la luz

PODER CUBRITIVO

Excelente en la mayoría de los colores. Algunos colores son semi-transparentes por definición: Ultramar, Carmesí, Siena Natural y en menor medida los Talos, esto no se debe a carencia de pigmento, está en su naturaleza específica

PODER TINTÓREO

Depende de cada pigmento en particular: muy elevado en los talos, carmesí y lacas; elevado en la gran mayoría de los colores y en menor medida en algunos colores semi-transparentes como Azul Ultramar y Tierra de Siena Natural. No siempre los más tintóreos son los más cubrientes.

CONSISTENCIA

Elevada consistencia y viscosidad cremosa, permiten el trabajo a espátula y alla prima. Es la pintura ideal por su versatilidad y duración, permite el trabajo espontáneo y los detalles, es muy placentera de trabajar

RENDIMIENTO

Muy superior a otros medios por su elevada pigmentación, poder cubriente y rendimiento, con pequeñas cantidades se logran excelentes resultados

DILUYENTE PARA OLEO TRADICIONAL.

Trementina vegetal, aguarrás mineral, o diversos medios para pintar. Conviene mezclar bien en la paleta antes de aplicar.

DILUYENTE PARA OLEO AL AGUA.

Simplemente agua, ausencia total de olores, ideal para personas alérgicas o con problemas con los solventes.

COLORES

Plenos y saturados, permanentes, muy cubrientes y rendidores, en general preparados con un solo pigmento. Es rara una variación de tono durante el proceso de secado.

TIEMPO DE SECADO OLEO TRADICIONAL EN ACEITE.

El secado es muy lento, permite fácilmente retoques y esfumados, dependiendo del espesor, dilución, el sustrato y el clima.

TIEMPO DE SECADO OLEO AL AGUA.

Aunque también es lento, diluido con agua seca un poco más rápido, aunque también permite retoques y esfumados.

DURABILIDAD DEL OLEO TRADICIONAL.

Excelente. Es la pintura artística mas durable y versátil. Aplicada correctamente queda una película semi plástica, relativamente flexible y muy duradera sin afectar la permanencia de los colores.

DURABILIDAD DEL OLEO AL AGUA.

Igual es muy buena, no cambia la durabilidad el hecho que sea en agua.

TEXTURA.

Admiten desde textura y espesor hasta capas delgadas y trasparentes

VENTAJAS DEL OLEO TRADICIONAL.

Gran versatilidad en todas sus técnicas. Los relieves y texturas tienen contracciones insignificantes y no se modifican los tonos de los colores durante el tiempo de secado. Gran rendimiento y economía de uso.

VENTAJAS DEL OLEO AL AGUA.

Aparte de ser las mismas ventajas del oleo tradicional. Se le puede agregar que se puede usar en espacios cerrados sin daño a las vias respiratorias.