romanticismo y realismo

20 El Arte Del S. XIX.romanticismo y Realismo by jonenkairos

arte romanticismo

Arte romántico from Jesús Ruiz

HTML5

LA RAÍZ DE LA AMARGURA

LA RAÍZ DE LA AMARGURA
La amargura apaga la llama del gozo y deja al alma en oscuridad. Esto es lo que dice la Palabra de Dios acerca de la amargura:

“Seguid la paz con todos, y la santidad, sin la cual nadie verá al Señor. Mirad bien, no sea que alguno deje de alcanzar la gracia de Dios; que brotando alguna raíz de amargura, os estorbe, y por ella muchos sean contaminados” (Hebreos 12:14-15).

LA  GERMINACIÓN DE LA AMARGURA

La semilla de la amargura es una herida o dolor sembrado en alguien. Puede ser intencional o no deliberado. Algunas veces el dolor es imaginario. Nadie le ha ofendido, pero de alguna manera usted siente que alguien ha hecho algo malo contra usted. Asimismo, hay ocasiones cuando el dolor puede ser la disciplina directa de Dios sobre su vida. Ese es el contexto de Hebreos 12:14-15.

El terreno propicio para la amargura es un corazón que guarda hostilidad y que no enfrenta ese problema por la gracia de Dios. Cuando alguien se vuelve amargado, esa amargura echa raíces en el corazón y se profundizan.

El mundo está lleno de gente que no ha resuelto una antigua herida. Buscan cosas para criticar, personas en quienes encontrar faltas, y buscan maneras de justificar su forma de ser. ¿Conoce usted a personas que son súper criticonas? Por lo general, son personas amargadas. Saben cómo tocar los puntos sensibles en los demás para que reaccionen de cierta forma y así justificar aún más su amargura. 

LA DEVASTACIÓN DE LA AMARGURA

Hemos aprendido acerca de la semilla y el terreno de la amargura. Miremos ahora a la raíz y el fruto de la amargura, que lo encontramos en el texto de Hebreos 12:14-15.

La raíz de la amargura
La raíz de la amargura es subterránea; fácil de esconder y camuflar. Difícilmente encontrará a alguien que admita que es una persona amargada. O lo niegan o lo disfrazan. Una persona amargada es hipersensible, malagradecida, falsa, guarda rencores, y presenta continuos cambios de humor.

El fruto de la amargura
La amargura le afectará física, emocional y espiritualmente, porque el fruto de la amargura es un ácido que destruye a aquello que lo contiene. Cuando su corazón tiene amargura, Dios no será real para usted. ¿Por qué? Porque el odio y la santidad no pueden morar en el mismo corazón. Y sin santidad, usted no verá a Dios (Hebreos 12:14).

LA ERRADICACIÓN DE LA AMARGURA

Existen tres pasos para erradicar la amargura:

1.  Deje que Dios la revele
A veces la gente dice: “Yo conozco mi corazón. No tengo amargura.” Pero la verdad es que usted no conoce su corazón. La Palabra de Dios dice: “Engañoso es el corazón más que todas las cosas, y perverso; ¿quién lo conocerá?” (Jeremías 17:9). Un corazón engañoso no puede diagnosticar a un corazón engañoso. Usted necesita dejar que Dios el Espíritu Santo haga una cirugía radical.

2.  Deje que la gracia la remueva
Cuando alguien le ha hecho algún daño una respuesta amarga no se justifica. Usted debe pedir perdón a Dios y Él, por su gracia, le perdonará. Si alguien le ha hecho algún mal, sencillamente olvídelo. Por la gracia de Dios, entierre ese daño en la tumba del olvido de Dios. Justicia es Dios dándonos lo que nos merecemos. Misericordia es Dios no dándonos lo que merecemos, y gracia es Dios dándonos lo que no merecemos.

3.  Deje que lo bueno la reemplace
Hebreos 12:14 dice: “Seguid la paz con todos, y la santidad, sin la cual nadie verá al Señor.” Usted no puede ser santo a menos que usted busque la paz con los hombres. Vale muchísimo la pena el perdonar.
Pero usted dirá: “¡Pero mire lo que me hicieron! ¡No voy a dejar que se salgan con la suya!” Escuche atentamente: cuando usted perdona, pone en libertad a dos personas, y una de ellas es ¡usted mismo!

Usted descubrirá que su vida es más gozosa cuando elimina la raíz de la amargura. Si Dios nos diera justicia, cada persona leyendo este artículo un día morirá y se irá al infierno. Antes bien, gracias a Dios por su misericordia que quita su mano de castigo sobre nosotros. Alabe a Dios por su gracia que nos otorga una vida completamente nueva.

cazador de dragones

plan de nivelacion grado octavo

ya que muchos se preguntaran que es esto?  le pido excusas a mis preciados lectores y les recuerdo que trabajo en un instituto distrital y pues toca a los que pierden el año y no hacen nada; brindarles otra oportunidad a ver si ahora si logran lo que debián alcanzar en el año lectivo.
En este prezi estan las activiodades que realizaran quienes asi lo quieran para nivelar las competencas del grado octavo de educacion basica.

hiperrealismo

Antes que muchos conceptos el hiper realismo le devolvió el virtuosismo  al artista,por eso antes de extenderme en el discurso les contare la biografía de dos grandes del hiper realismo y otros artistas contemporáneos.

Ron Mueck.

Nació en 1958, es un escultor  australiano que vive en Inglaterra.Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine, trabajando para Jim Henson en películas como Labyrinth (donde llegó a interpretar a uno de los personajes, Ludo) o The Dark Crystal. Sin embargo ya había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente.Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck con más y más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo.

En 1996 Mueck cambió hacia el “arte refinado” colaborando con su suegra Paula Rego, para producir pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward. Rego lo presentó con Charles Saatchiquien inmediatamente quedó sorprendido con su trabajo y comenzó a coleccionar y solicitar trabajos. Esto lo dirigió hacia la creación que le formó un nombre a Mueck, “Dead Dad” (papá muerto) que es una escalofriante e hiperrealista obra de silicona y otros materiales, del cuerpo muerto de su padre, reducido aproximadamente a dos tercios del tamaño natural. Es la única obra de Mueck que usa su propio pelo para el producto final.

Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden. Su obra de cinco metros “Boy”, fue mostrada en 1999 en el “Millenium Dome” y más tarde se exhibió en la “Biennale de Venecia”.

Éste escultor formó parte de la exposición “Sensation” que causó polémica y otras reacciones extremas entre los críticos y el público. La pieza que expuso en esa ocasión era “Dead Dad”.

Chuck Close 

Es un artista estadounidense, nacido el 5 de julio de 1940 en Monroe, Washington. Es pintor y fotógrafo fotorrealista. Desde 1988 está tetrapléjico, aunque eso no le impidió seguir con su carrera.

La mayor parte de sus obras son enormes retratos basados en fotografías (técnica del fotorrealismo o hiperrealismo). En 1962 recibió su titulación (B.A.) en la Universidad de Washington en Seattle. Se graduó (MFA) por la Universidad de Yale en 1964. Estuvo en Europa con una beca del Programa Fulbright, regresando a EE.UU. donde trabajó como profesor de arte en la Universidad de Massachusetts.

En 1969 su trabajo fue incluido en el Whitney Biennial. En 1970 realizó su primera exposición individual. Su trabajo se expuso por primera vez en el MOMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1973.

Para crear sus obras, Close pone una malla sobre la foto y sobre el lienzo y copia celda por celda. Sus primeras herramientas para ello incluían un pulverizador, retazos de tela, cuchillas, y una goma de borrar montada sobre una máquina taladradora. Su primer gran cuadro con este método fue su Gran Autorretrato, una ampliación de su cara en blanco y negro sobre un lienzo de 2.73 m por 2.12 m realizado durante cuatro meses en 1968. Produjo otros siete retratos en blanco y negro durante este periodo. Se dice que mencionó utilizar pintura tan diluída en el pulverizador que los ocho cuadros se realizaron con un único tubo de acrílico negro.

Close ha regresado a menudo a las mismas fotos para pintar una y otra vez con técnicas diferentes. Una foto de Philip Glass se incluyó en su serie en blanco y negro de 1969, rehecha con acuarelas en 1977, de nuevo rehecha con tampón y huellas en 1978, y también con papel gris hecho a mano en 1982.

Su trabajo posterior se ha ramificado en mallas no rectangulares, regiones de colores similares tipo mapa topográfico, trabajos en mallas de color CMYK, y el uso de grandes mallas para hacer obvia la naturaleza celular de su trabajo incluso en pequeñas reproducciones — el Gran Autorretrato está hecho con tanta perfección que incluso una reproducción a toda página en un libro de arte no puede distinguirse de una fotografía normal.

En 1988, Close sufrió un colapso de su arteria espinal, el día que iba a dar una conferencia en una ceremonia de entrega de premios de arte. Se sintió enfermo antes, dio su conferencia, y después acudió con dificultad a un hospital en la calle de enfrente. Pocas horas después era un parapléjico.

Close siguió pintando con un pincel entre los dientes, creando mini-retratos en mallas cuadradas preparadas por un asistente. Desde la distancia, estos cuadrados aparecen como una imagen única. Recuperó algún movimiento en su brazo y piernas, y en la actualidad pinta con una brocha atada a su mano.

La obra Kiki, completada en 1993, le llevó cuatro meses.

Close vive y pinta en Bridgehampton, Nueva York.

Es miembro de la Academia de Artes y Letras Americana y recibió la Medalla Nacional de las Artes.

Es una persona admirable, tanto por su talento, como por su voluntad para seguir haciendo lo que a él más le gusta.

melendez -bodegon 

Marcel Franquelin

Daniela Montanari_ Maria 2003

POP ART

El Pop Art nacio en Estados Unidos, como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista. Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte. La producción de masas y el consumismo triunfante, proporcionaron los iconos que se multiplicarán hasta la saciedad en la obra de los llamados “artistas pop”. La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.	Ideograma, Juan Antonio Morales
Latas de Sopa Cambell's, Coca Cola, Andy Warhol.	Los motivos marcan las pautas del estilo, desarrollando una temática reducida a los artículos de consumo comercial, latas de sopa, revólveres, flores, etc. El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática banal  y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada.
Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de este estilo. El retrato, como  sucedió en épocas exteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop. Delante de Andy Warhol se pusieron Marilyn, Jacquelin Kennedy, Grace Kelly... para que dejasen constancia de su paso por la modernidad.
Grace Kelly, Andy Warhol, 1984

Enciende la chispa del poder

 

Encender fuego de manera imprudente en una zona seca puede producir una catástrofe. Sin embargo, el fuego encendido con un propósito puede ser confortante y satisfactorio. Los dones puestos por Dios en nosotros son una fuente de poder. Encender este poder requiere fuego de pasión, fe y convicción, requiere de parte nuestra expandir nuestro corazón y mente para pensar y actuar más allá de las barreras de las falsas limitaciones. Dios está limitado en lo que puede hacer por nosotros en función de la amplitud de nuestro corazón y mente. Cada que derribemos los limites y barreras destructivas puestas por nosotros mismos, seremos llenados con la energía necesaria para encender la chispa del poder en nuestro interior y de esta manera dejar un legado perdurable aquí en la tierra.

Recuerda, cuando nos veamos a nosotros mismos de la misma forma en que nos ve Dios, un océano de oportunidades fluirá en nuestro horizonte. El pensamiento pequeño y una convicción a medias, limitará nuestra capacidad de aceptar un corazón expandido.

Expande tu corazón leyendo y actuando en los siguientes versos: 

Salmo 119:32

Por el camino de tus mandamientos correré, Cuando ensanches mi corazón.  

1 Crónicas 4:10 

E invocó Jabes al Dios de Israel, diciendo: !!Oh, si me dieras bendición, y ensancharas mi territorio, y si tu mano estuviera conmigo, y me libraras de mal, para que no me dañe! Y le otorgó Dios lo que pidió.

Números 13:33

También vimos allí gigantes, hijos de Anac, raza de los gigantes, y éramos nosotros, a nuestro parecer, como langostas; y así les parecíamos a ellos.

Enciéndelo dentro de ti

El lamento es el sentimiento de pérdida por aquellas cosas que hicimos o no hicimos. No tenemos por qué vivir una vida de remordimientos cuando encendemos "el poder en nosotros". Cuando activamos los dones de Dios con la finalidad de hacer una diferencia en la vida de los demás, nos estamos protegiendo a nosotros mismos de la inutilidad de los remordimientos y cargos de conciencia.  

Una vida plagada de lamentos destruye el potencial y capacidades que hay en nosotros. Si permitimos que nuestros dones y talentos estén inactivos, nuestra vida se va a llenar de remordimiento por nunca haber hecho lo que se suponía que debiéramos haber hecho. Cada uno de nosotros, tenemos la capacidad de llenar cada momento de nuestra vida con una oportunidad en vez de desperdiciar cada oportunidad que nos da la vida con vanos remordimientos.  

Manteniendo nuestra mirada puesta en la palabra de Dios, encenderemos ese poder en nosotros y con estas acciones dejaremos un legado de impacto en lugar de un legado de remordimientos y cargos de conciencia. 

Recuerda, podemos ejercer el poder en nosotros para liberar, o incluso detener la mano de Dios en nuestra vida. El cargo de conciencia es compañero del potencial no utilizado. La realización va acompañada de la fe, convicción y acción. 

Toma tiempo para leer, reflexionar y actuar sobre:

Jeremías 32:26-27

...Y vino Palabra de Jehová a Jeremías diciendo; He aquí que yo soy Jehová, Dios de toda carne; ¿habrá algo que sea difícil para mí?  

Salmo 78:40

!Cuántas veces se rebelaron contra él en el desierto, Lo enojaron en el yermo!

 

1º Crear nuestro blog en blogger

Dadaísmo

El dadá surge a partir de un grupo de artistas que se fueron a Zurich para escapar de la guerra. Surgió a la vez en Suiza y Estados Unidos en 1916. Desde Zurich se expandió hacia Alemania y hacia Francia. En París es ya el movimiento de moda en 1923.

Suiza, a partir del estallido de la guerra en 1914, se convierte en un centro de refugiados pacifistas de toda Europa. Allí se encontraron todos los disidentes de otras escuelas previas, tales como el expresionismo alemán, el futurismo italiano o el cubismo francés. En 1916, en Zurich, un grupo de artistas instalaron en una cervecería un pequeño cabaret, al que bautizaron como "Cabaret Voltaire". Allí se reunieron el filósofo Hugo Ball, el poeta Tristan Tzara, el pintor marcel Janco, ambos refugiados rumanos, y el pintor alsaciano Jeans (Hans) Arp.

A partir de ese encuentro comenzaron una serie de actividades en el cabaret así como editaron la revista que llevaría el nombre de "Dada".

Tristán Tzara pronto se convirtió en el promotor y principal exponente del movimiento Dada. Entre él y Hugo Ball dieron sustancia a la teoría dadaísta.

En pocos meses los espectáculos del café Voltaire fueron famosos en la ciudad Suiza. El espectáculo dadaísta había nacido, cargado de provocación, tendencia agresiva, propuestas ilógicas y absurdas. Para manifestar artísticamente su rechazo a la cultura de su tiempo, los dadaístas utilizaron métodos expresivos deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional.

En 1917 Francis Picabia, un pintor francés, refugiado también en Suiza entra en contacto con Tzara. Ambos darán sentido al Manifiesto Dada de 1918, posiblemente el documento más importante del movimiento dadaísta de Zurich. Tras el fin de la guerra, el dadaismo cautiva a los artistas vanguardistas de París, produciéndose un resurgimiento del mismo. El Zurich Dada, con la diáspora de sus refugiados, se había acabado.

No es un movimiento de rebeldía contra otra escuela anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera Guerra. Estos escritores y artístas creían que una sociedad capaz de producir algo tan horripilante como la primera guerra mundial era una sociedad malvada, cuya filosofía y cultura deberían destruirse totalmente, ya que estaba social y moralmente en banca rota.

Utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. Los dadá profesaban todas las artes, pero no se encasillaban en ninguna.

Sin duda, Dadá consiguió provocar el escándalo, pero en el aspecto positivo, yal igual que otros movimientos de vanguardia, hizo que la gente mirara las imágenes de una manera distinta.

Manifiesto dadaísta, 28 de Mayo de 1918:

• "...no estoy ni en pro ni en contra, y además, no lo explico, porque detesto el sentido común...
• "Asco dadaísta.
• "Abolición de la memoria: dadá
• "Abolición de la arqueología: dadá
• "Abolición de los profetas: dadá
• "Abolición del futuro: dadá
• "Creencia absoluta indiscutible en cada dios producto inmediato de la espontaneidad: dadá..."

Para hacer un poema dadaísta: Tomad un periódico. Tomad unas tijeras. Elegid en el periódico un artículo que tenga la longitud que queráis dar a vuestro poema. Recortad con todo cuidado cada palabra de las que forman tal artículo y ponedlas todas en un saquito. Agitad dulcemente. Sacad las palabras una detrás de otra colocándolas en el orden en que las habeís sacado. Copiadlas concienzudamente. El poema está hecho. Ya os habéis convertido es un escritor infinitamente original y dotado de una sensibilidad encantadora, aunque, por supuesto, incomprendida por la gente vulgar.

No es un nuevo movimiento que va contra otro antiguo, es un movimiento que surge en contra de toda una sociedad que ha sido capaz de provocar una Guerra Mundial. Se trataba de ir contra la cultura de su tiempo, contra una sociedad malvada, cuya filosofía y cultura deberían destruirse totalmente, ya que estaba social y moralmente en bancarrota.

El dadaísmo trata de reflejar una disposición particular del espíritu, representa una negación intelectual violenta, un acto extremo de antidogmatismo, por lo que se vale de cualquier medio para llevar adelante su batalla. Más que la obra, es el gesto lo que interesa a los dadaístas, gesto que va más allá de los puros canales de expresión artística para manifestarse en la política, en las costumbres, en la misma sociedad, siempre que este gesto sea entendido como provocación contra el sentido común, la moral, la ley y cualquier normativa u ortodoxia. De aquí que el escándalo fuera el instrumento preferido para hacer públicas sus acciones.

No profetas, no hay futuro, no pensar, "yo destruyo los cajones del cerebro y los de la organización social", los versos se hacían recortando trozos de periódicos y colocándo las palabras ala azar ...

Produjo un "antiarte" basado en cosas carentes de sentido, en aras del absurdo humor amargo. Los integrantes del dadaismo innovaron el empleo original de papier collé, que derivó hacia el collage y el fotomontaje. Para los dadaistas, el uso del collage consistió en la agrupación dinámica de fragmentos de imágenes en la que aparecen por obra del azar nuevas estructuras, cuyo sentido estético no procede de la suma de los componentes, sino del espíritu de totalidad que se logra con ella. Cada fragmento tiene un valor formal, y un valor de contenido propio, y el collage se transforma en un dinámico y absurdo juego de imágenes fragmentadas que revelan metáforas inesperadas. Así, el collage se vuelve un método de exploración de la realidad y un procedimientos para expresarla.

También se valieron de objetos hechos de carácter comercial, a los que desplazaba de su función original modificándolos o agregándoles formas extrañas como si los hubiese guiado la idea de que una surrealidad se esconde tras las cosas más comunes que nos rodean. El término Ready-made se refiere al hecho de sacar un objeto cotidiano de su sitio habitual y colocarlo en un espacio de exhibición, con el fin de cambiar la forma en que lo vemos y darle otro significado. El Ready-made se llevó a cabo por primera vez por Marcel Duchamp.

Marcel Duchamp (1887-1968)

Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville. Comenzó a pintar en 1908. Se dedicó a la experimentación y realizó su obra más famosa, Desnudo bajando una escalera (1912) en la que expresa el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas. Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia (1923) obra abstracta, conocida también como El gran espejo. En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales innovaciones del siglo XX: el arte cinético y el llamado arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. Su Rueda de bicicleta uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina. Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado; aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo de movimientos como : surrealismo, dadá y Pop Art. En 1955 se nacionalizó estadounidense. Murió en 1968.

El término Ready-made se refiere al hecho de sacar un objeto cotidiano de su sitio habitual y colocarlo en un espacio de exhibición, con el fin de cambiar la forma en que lo vemos y darle otro significado. El Ready-made se llevó a cabo por primera vez por Marcel Duchamp.