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dibujo técnico - introducción

Michael hampton figure drawing - design and invention

les comparto este libro practico y muy bueno

Michael hampton figure drawing - design and invention from Jose Reyes

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Cómo dibujar figura humana

El cuerpo humano es el tema principal en la mayoría de las obras de arte realizadas en la historia. Para estudiarlo vamos a tener en cuenta dos aspectos fundamentales: el estudio de las proporciones del cuerpo y la forma en que este expresa un movimiento o situación.

Se dice que al dominar la figura humana se puede dominar todos los demás temas del dibujo. Esto hace referencia al nivel de dificultad que nos presenta. La complejidad de sus formas y posturas, el estudio acabado de las extremidades, las expresiones faciales, los dedos, los pies, etc. Todo esto debe ser estudiado desde su anatomía, sus huesos y músculos.

Esto suele ser para algún motivo de frustración, pues los avances no son por lo general muy rápidos, es posible que el alumno se sienta desmoralizado. Es en este momento cuando deberás pensar que no estás estudiando cualquier cosa, que independiente de tus habilidades y talentos, es debido dedicar muchas horas a esta tarea y que esto no se entienda como un sacrificio, sino una oportunidad de hacer un gran trabajo, tómalo como un privilegio.

   

CANONES

Los cánones corresponden a sistemas o métodos mediante los cuales podemos llegar a dicha perfección proporcional.

Solo vamos a hacer referencia a algunos de estos cánones, pues es el objetivo de este curso es usar el que más nos acomode.

El canon de los egipcios divide el cuerpo en 19 partes iguales, lo cual es algo complejo para nuestros propósitos, no obstante, es bueno conocerlo.

El canon de Policleto es el considerado como del “hombre normal”, es uno de los más usados en la historia, pertenece a la cultura griega y divide el cuerpo en 7,5 partes, cada una de las siete corresponde al tamaño de una cabeza.

           

El canon del renacimiento divide el cuerpo en 8 partes iguales, también cada una de ellas del tamaño de una cabeza. Este canon proviene del artista romano Vitrubio y siglos después fue usado y difundido por Leonardo de Vinci.

Esta lección muestra cómo dibujar una figura femenina de pie.

Para dibujar la figura humana se requiere conocimiento de la anatomía humana y mucha práctica. Si eres aplicado, consigue un buen libro de anatomía, éste es una importante referencia tanto para los artistas novatos como para los experimentados. Nosotros te recomendamos empezar dibujando posiciones sencillas y preferiblemente de un modelo en vivo. Dibujar la figura desde ángulos inusuales requiere mucha experiencia. No dibujes la figura a partir de una fotografía. Poder dibujar a partir de una fotografía también requiere mucha experiencia y usualmente conduce a los novatos hacia una forma de dibujar superficial y blanda. Dibuja la figura lentamente. Usualmente esto debe tomar al menos tres horas. Pon mucha atención a las proporciones, a la construcción y a la anatomía. Siempre empieza desde las partes importantes y muévete hacia los detalles. El tamaño del dibujo debe ser A4 o superior. Dibuja la figura desde posiciones simples desde diferentes ángulos. Estudia y copia dibujos de Obras Maestras.

Lo que vez en el video son los pasos básicos.

¿Cómo se hace una animación stop motion y técnicas compatibles.?

Stop motion es una técnica de rodaje basada en continuas tomas fotográficas, donde cada plano varia ligeramente del anterior, creando así la ilusión de una animación, como en los dibujos animados y en los cortos con muñecos de plastilina o materiales moldeables.
La animación se realiza cuadro a cuadro (frames). Variando ligeramente la posición de los muñecos, o recortes de imágenes o dibujos, en cada captura de imagen y en función del movimiento que se quiera dar, adecuada al argumento o mensaje que se quiera transmitir. Con cualquier editor de video o con una aplicación informática específica podemos unir los frames para crear cada secuencia y añadir posteriormente el audio. Tenemos la posibilidad de utilizar un sitio web on line, como Monkey Jam por ejemplo, donde subir las fotografías y obtener el video con la secuencia de imágenes montada.

Explora los recursos y materiales educativos diseñados para la narración digital.

Programas como dragonframe y Animator DV Free para ordenadores facilitan la grabación y edición de una animación con una calidad óptima. Estas aplicaciones informáticas capturan cuadro a cuadro y editan el video o las secuencias. Podemos, como alternativa más común, realizar la animación utilizando exclusivamente el editor de video de nuestro ordenador. Daremos el valor temporal mínimo a cada fotografía o captura. En Movie Maker si dispones de Windows, en iMovie de Appel (Macintosh) o con loseditores de video del sofware libre si instalas Ubuntu en tu computadora.

el color ppt

descargue la presentacion interactiva a traves de la cual recibiras una introduccion al tema y a los colores, ela borada por Briggitte Santana CUANDO ESTUDIABA DISEÑO GRAFICO

¿Para qué sirven los colores complementarios en la pintura?

Uno de los conceptos fundamentales para obtener resultados profesionales en nuestras pinturas es el de los colores complementarios. Su manejo es indispensable para lograr magníficos contrastes, hermosos matices y oscurecer los tonos de manera apropiada.

Tanto el arte clásico como el más moderno se han valido del uso de los colores complementarios, en el primer caso para obtener colores terrosos o grises y en el segundo caso para crear vibrantes composiciones de arte abstracto o impresionista.

Complementarios de los colores primarios y secundarios

Los colores complementarios son los que están opuestos en el círculo cromático , el complementario de un color primario siempre será uno secundario, y viceversa, así:

En este diagrama, vemos las tres parejas principales de colores complementarios:

Amarillo – Violeta

Azul – Naranja

Rojo – Verde

Para que no te aprendas de una manera mecánica estas parejas, analízalo de forma práctica respondiendo a esta pregunta:

¿Cuál es el color o los colores que falta(n) para tener los tres primarios?

Por ejemplo, si buscas el complementario del violeta ya sabes que este color está formado por rojo y azul. Por lo tanto su complementario es el amarillo pues es el único primario que falta.

Si buscas el complementario del azul, necesitaremos amarillo y rojo para tener los tres primarios, y la mezcla de estos dos colores que faltan forma el naranja, siendo entonces el complementario del azul.

Complementarios de los colores terciarios

En nuestras pinturas manejaremos extensamente los colores terciarios, es decir la mezcla de un color secundario con una cantidad adicional de uno de los primarios que lo conforman. Analizando la rueda de colores, obtenemos otras tres parejas de complementarios:

Amarillo verde – Rojo violeta

Rojo naranja – Azul verde

Azul violeta – Amarillo naranja

Por ejemplo si tienes un amarillo verdoso, esto significa que es un color verde con una cantidad adicional de amarillo, y necesitaremos un color que tenga bastante rojo el cual está totalmente ausente, pero que al mismo tiempo tenga un poco de azul para equilibrar la menor cantidad que hay en el amarillo verdoso. Por lo tanto la mejor opción es un Rojo – violeta. Te lo explico en el siguiente esquema:

Los cuadros de cada color primario no se refieren a la cantidad de pintura agregada sino a su poder de tinción, a su peso, tal como ocurre si comparamos el algodón con el hierro: un kilo de algodón ocupa más espacio que un kilo de hierro. Así, necesitaremos agregar más amarillo para lograr un poder de tinción equivalente al mismo poder de tinción de una pequeña cantidad de azul y que se obtenga un verde puro, medio y equilibrado. Entonces, para obtener la tendencia amarillosa debemos agregar aún más amarillo. Por su parte el rojo tiñe más que el amarillo pero no tanto como el azul.

¿Pero para qué sirven los colores complementarios en la pintura?

• El uso de los colores complementarios uno al lado del otro, genera armonía, vibración, drama, y movimiento pues se intensifican entre sí. Pero para que no se cree una sensación caótica y desagradable a la vista, uno de los dos colores debe predominar sobre el otro.

Igualmente no se requiere que se apliquen los colores exactamente puros, es decir un azul puro junto a un naranja vibrante, se pueden usar diferentes matices de estos colores, para obtener resultados más sutiles.

• En técnicas impresionistas, se puede poner uno al lado del otro, en el que uno sea la luz y el otro represente la sombra.

• Nos sirven para resaltar áreas de interés, por la generación de contraste.

• Si mezclamos un color con su complementario se neutralizan entre sí obteniendo colores grises, cafés, colores tierra o quebrados, como también se les llama. En algunas ocasiones, al usar los tonos adecuados en las proporciones exactas, podemos lograr el color negro.

• Cuando deseamos un color específico en nuestro cuadro pero este es demasiado saturado o brillante, y deseamos “apagarlo” un poco, bajarle la intensidad para que no quede tan llamativo, le agregamos una pequeña cantidad del complementario, pero sin que se cambie la tendencia principal del color.

• Para obtener las sombras más oscuras de los colores, es más apropiado agregar el color complementario, en lugar de usar exclusivamente el color negro.

• Igualmente, para obtener zonas de luces altas más llamativas, se pone una pequeñísima parte del color complementario en el blanco, el cual si lo usamos sólo dará un efecto aburrido y frío.

Finalmente te doy otra clave práctica para encontrar el complementario: mira fijamente el color por 30 segundos y luego mira una pared u hoja en blanco, en la cual por efectos ópticos verás un “fantasma” del color complementario.

¿Qué es el arte óptico?

                 Es una corriente artística abstracta, que surgió a partir del movimiento abstracto-constructivista representado por el suprematismo, De Slijl y la Bauhaus, también se conoce como Op art u Optical art. Nacido en Estados Unidos en el año 1958. Este tipo de arte utiliza sobre todo ilusiones ópticas, basada en la composición de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento e una superficie bidimensional, es por eso, por lo que en todas las obras que se han realizado en el arte óptico hacen que el espectador colabore de manera activa ya sea desplazándose o moviéndose para intentar captar el efecto óptico, es por esto por lo que este tipo de obras no tienen ninguna apariencia emocional. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Es un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece.

Se utiliza la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.

El arte óptico como movimiento artístico data de finales de la década del 50, hasta mediados de los 60 se conformó como una tendencia formal, más tarde por el 1965, el museo de arte moderno de New York (MoMa), organizara una exposición con el nombre de The Responsive Eye. El arte óptico es una corriente pictórica a diferencia del arte cinético que es escultórica. Por ello, las técnicas más destacadas del Op art son:

Se utiliza la yuxtaposición del color, con matices cromáticos identificables, o acromático usando el negro, blanco o gris.

Los espacios positivos y negativos tienen la misma importancia, en el arte Op Art no puede ser creado sin ambos.

Crear un complejo de tensiones visuales en la mente del visionario, que da la sensación de ser una ilusión en movimiento.

Líneas paralelas que pueden ser sinuosas o rectas

Los contrastes tienen que ser cromáticos y muy marcados. Existen dos tipos o poli o bicromáticos.

Hay cambios de tamaño y de forma

Se mezclan o se repiten figuras y formas.

Usan muchas figuras geométricas como pueden ser: rectángulos, triángulos, círculos y cuadrados.

Después de la Segunda Guerra Mundial se desarrolla una nueva etapa de artistas abstractos, estos artistas no se preocupan solo de representar en sus obras sentimientos, sino que también pide al espectador que tenga una actitud activa hacia ellos. En las obras artísticas que realizan el ojo humano tiene que estar observando la obra detenidamente y percibir que se mueve, aparte de buscar el inicio y el fin de ella. En periodo, comentado anteriormente, el centro de este tipo de arte era Nueva York.

En resumen, el arte óptico es una modalidad artística abstracta que se basa principalmente en la representación pictórica de un fenómeno óptico que de la sensación de que está en movimiento. Su base es una extensión bidimensional que miente al ojo humano por ilusiones ópticas, para crear estas ilusiones ópticas se utilizan estructuras repetidas que tiene un orden determinado. Si diferenciamos al arte óptico con otras artes destacadas, tenemos que destacar que este tipo de arte básicamente se trata de principios científicos cuyo objetivo es desarrollar efectos visuales únicos. Muchas personas definen a este tipo de arte como algo técnico, impersonal y que en muchas ocasiones da la probabilidad de que el que observa dicha obra pueda cambiar la configuración que tiene.